A conversa dos cubistas

Pablo Picasso - Clarinette (1911)

Moacir Pimentel

Foi em Céret, uma pequena cidade no sudoeste da França, perto da fronteira espanhola, que Picasso e Braque pintaram juntos, na maior conversa, as suas mais herméticas telas cubistas. Cada pintura passou a ser um fim em si mesma e a falar uma linguagem própria e os rapazes complicaram definitivamente a tradução do cubismo (rsrs)

É o caso da tela acima batizada de Natureza Morta com Clarinete, na qual o instrumento musical foi várias vezes apenas esboçado, “inteiro aos pedaços”. Nesse trabalho foi dispensada qualquer tentativa de simular a tridimensionalidade por meio da perspectiva de um ponto e os fragmentos do objeto foram simplesmente sobrepostos sem qualquer relação espacial entre eles: a representação continuava mas a simulação acabara.

Como também é caso do Homem com o Cachimbo que, saído da paleta de Picasso foi de imediato respondido por Braque com o seu Homem com o Violino, no interior de um café mal iluminado e repleto de fumaça. Pouquíssimos fragmentos de informação gráfica são legíveis nessas duas charadas ovais nas quais ambos fragmentaram as imagens como vidro quebrado: os bigodes, os cachimbos, as cabeças dos homens e suas mãos, um pedaço de papel, o violino.

Pablo Picasso - Homme à la pipe (1911) / Georges Braque - Homme avec violon (191)

Os rapazes estavam experimentando ideias, desafiando a ortodoxia ilusionista na pintura, testando diferentes tipos de representação, aglutinando múltiplas visões de cada objeto em uma única imagem composta e, é claro, encorajando com essa fragmentação radical uma leitura abstrata em vez da descoberta da forma representacional.

Gradativamente os volumes imaginários das figuras humanas e dos objetos foram se dissolvendo em coleções cada vez menos objetivas de linhas, planos, luz, cores e facetas interpenetrantes de formas flutuantes em um espaço raso e indeterminado. Nesse período Picasso e Braque, de quebra, também usaram a sobriedade cromática nas obras para dar ênfase à natureza cerebral das questões que abordaram.

As telas abaixo também foram pintadas pela dupla em estreita colaboração, nos Pireneus. À esquerda vemos um Homem com uma Guitarra, fugido da paleta de Braque e, à direita, um Poeta saído da cabeça de Picasso. Todas essas telas ilustram o momento no cubismo analítico com o maior o grau de abstração das imagens, quando os temas na pintura se tornaram quase irreconhecíveis. Ou seja, à primeira vista, o violeiro pode muito bem ser o poeta e vice versa (rsrs)

Georges Braque - Homme avec guitare (1911) / Pablo Picasso - Poète (1911)

Aliás, note que a única renderização realista cometida por Braque na sua cena pictórica acima – que o meu netinho acha que é um “Transformer” (rsrs) - é a imagem perfeita de um prego e de uma corda no canto superior esquerdo da primeira tela para ilustrar um dos seus bordões prediletos: “Pinto por que gosto de ver minhas ideias penduradas nas paredes”.

Diante dessas representações quase indecifráveis de um violeiro e de um bardo o jeito é chutar o pau da barraca da perspectiva tradicional e topar o desafio de buscar os temas divididos em componentes geométricos. Sim, nessas telas é difícil tanto perceber as figuras representadas de vários ângulos de uma só vez, quanto estabelecer os espaços e neles o movimento. Mas, como os títulos indicam, as formas humanas estão lá visualmente dissecadas e reconstruídas como arquiteturas de elementos retilíneos e curvilíneos.

Apesar da indefinição das pistas visuais, o observador atento pode detectar as duas figuras piramidais centrais densamente articuladas, fundidas de forma colorida e textural com o espaço circundante, menos detalhado. Pequenos círculos - invadidos pelas pontas de planos triangulares - tornam-se olhos quando associados a outros planos mais longos de possíveis narizes e aos crescentes de prováveis bigodes(rsrs) Depois dessas descobertas básicas as imagens completas podem ser reconstituídas pela inferência do queixo, do pescoço, do tronco, dos cotovelos, dos braços de uma cadeira, do violão, dos muitos livros em torno do Poeta que finalmente aparece de perfil voltado para a direita e olhando para fora da tela enquanto fuma um cachimbo branco.

Na realidade Picasso e Braque estavam se encaminhando, a passos largos, para a abstração total, que Kandinsky estava experimentando na vizinhança e que Malevich finalizaria alguns anos depois em Moscou. Dizem os especialistas, que o espanhol chegou muito perto do limiar entre a figuração e a abstração, no verão de 1910, na cidadezinha espanhola praiana de Cadaqués, quando ele pintou algumas telas quase sem ilusão de formas sólidas, como foi o caso da Natureza Morta com um Copo e um Limão...

Pablo Picasso - Nature morte avec verre  et citron (1910) /
Pablo Picasso - La mandoliniste (1910)

... e da Mulher com o Violão. Tais obras são dois conjuntos de planos geométricos interligados em tons de marrom e cinza e só não são abstratas no nome.

Porém se você olhar de novo, perceberá como era mais difícil para o pintor fugir dos objetos do que da figura humana. Explico: na natureza morta é impossível encontrar tanto o copo quanto o limão, certo? Mas, na segunda tela, embora o violão tenha se escafedido, o oval de um rosto feminino, um nariz e os vestígios de um olho permanecem irredutíveis no centro da composição (rsrs)

Muitos anos depois Picasso afirmou que a realidade era seu ponto de partida e que ela deixava suas digitais nas tintas:

“Não existe arte abstrata. Você deve sempre começar com alguma coisa. Depois, você pode remover todos os vestígios da realidade. Então não há mais perigo porque a ideia do objeto já deixou uma marca indelével”

E sustentou que lhe era impossível eliminar inteiramente o tema de uma pintura: “Mesmo que a tela seja toda verde - e daí? Nesse caso, o assunto é a verdura! “ (rsrs)

O certo é que depois de seriamente tentar abstrair criando tais organizações de planos geométricos monocromáticos interligados que levavam do nada para mais nada, Picasso e Braque simplesmente recuaram. Decidiram não atravessar a fronteira da abstração total, tanto que passaram a adicionar mais pistas às suas cubices analíticas extremas.

Note que nessa fase mais radical do cubismo, quando os dois amigos oscilaram à beira da abstração, foi Braque quem recuou primeiro, introduzindo nas pinturas detalhes que chamava de “certezas” - letras, palavras, numerais, notas musicais! - como pontes para a realidade, como pequenos sinais que indicavam mais claramente a pessoa e/ou o objeto que estavam sendo representados.

Pablo Picasso - Ma Jolie (1912)

Uma das mais famosas cubices “letradas” é essa tela de nome Ma jolie - Minha Linda! À época tal expressão era o refrão de uma canção popular muito tocada nos muitos cafés concertos de Montmartre que Picasso frequentava. Sim, talvez aqui estejamos diante da primeira união da grande arte com a cultura popular. Veja como o artista, inclusive, sugeriu esse link musical, colocando bem perto das palavras MA JOLIE no centro inferior da tela, uma clave de sol em negrito, mandando um recado para a moça que estava amando.

Acontece que a bela Fernande se envolvera com um artista italiano, dizem que em uma tentativa desesperada de despertar os ciúmes do namorido. É que Picasso, desde 1911 estava de cabeça virada pela Ma Jolie da vida dele. Seu novo amor chamava-se Marcelle, mas foi apelidada de Eva Gouel e – pasme! - era, nada mais nada menos, do que a melhor amiga de Fernande, a companheira de sete anos, que finalmente o deixou em 1912.

Frágil e esguia e esquiva, Eva jamais foi pintada pelo toureiro, aparece fantasmagórica em apenas duas das fotografias dele e sua personalidade permanece um enigma. O romance dos dois coincidiu com o advento do radical e sisudo cubismo analítico, mas também atravessou a fase do irreverente, colorido e divertido cubismo sintético. Apesar de jamais ter retratado sua Eva, incluir essas palavras de amor no seu trabalho, talvez tenha sido o gesto artístico mais abertamente carinhoso que Picasso fez para uma de suas mulheres.

É claro que a tela acima não é um retrato tradicional da mulher do encanto do artista, mas há indícios de Eva na massa triangular central que sussurram a forma da cabeça e do tronco de uma mulher. Da mesma forma, o conjunto de seis linhas verticais no centro inferior da pintura representa as cordas de uma guitarra sendo dedilhadas pela garota.

Picasso usou nessa obra de arte várias maneiras de representação ao mesmo tempo, em uma linguagem que combinou as letras e a clave musical com tintas ainda muito próximas, fronteiriças mesmo da abstração. As pinturas cubistas analíticas arquetípicas são assim como Ma Jolie, virtualmente monocromáticas, com os planos ou facetas pintados em marrons e/ou ocres quentes ou cinzas suaves, o preto fazendo os contornos necessários e o branco realçando as superfícies. Esse esquema de cores em um só tom e/ou em tons desmaiados era ideal porque tornava mais fácil a necessária decodificação das intrincadas imagens de rostos, figuras, instrumentos musicais e/ou naturezas-mortas, abstraídas em várias camadas.

A pintura a óleo de Braque, intitulada O Português, já é bem mais traduzível ao retratar um emigrante lusitano que deve ter sido visto pelo pintor nas docas de Marselha, tocando a sua viola para a malta fazer a festa. Dele percebemos a boina tradicional do lobos do mar do Minho, o perfil, um olho e o grande bigode preto e uma das mãos dedilhando as suas cordas do instrumento. E o resto?

Georges Braque- Le Portugais (1912)

O resto é fado. A geometria cubista aniquilou o pescador ou estivador que, na forma de um triângulo, desaparece na distribuição e no arranjo dos planos da pintura de linhas oblíquas e tons de verde / ocre / cinza. Aqui, Braque realiza a mais completa fusão entre o rigor puro das composições piramidais e a proliferação das tais indicações – letras e números - entre a abstração e a presença humana.

De resto tudo mais foi fraturado: o guitarrista e o cais são apenas tantíssimos pedaços de forma quebrada e o ambiente festivo resumido na palavra BAL. Debaixo dela, no canto superior direito de novo Braque cravou o prego e a corda com os quais pendurava suas criações. Mas note que aqui apesar de superar a singularidade unificada do seu tema, ao quebrar o sujeito e a sua viola em elementos menores, o pintor foi capaz de segurar esse Português emigrante.

Durante o resto do ano de 1911 e os primeiros meses de 1912, o espanhol e o francês se tornaram menos compulsivos nas pinturas que faziam essas descrições de múltiplos pontos de vista ou que colecionavam pontos de vista destruídos - dependendo de como você interpreta o trabalhos do Cubismo Analítico. E o cubismo avançava...

Pablo Picasso - Le poète (1912)

Na tela acima, mais uma vez, foi representado o já conhecido Poeta do espanhol, só que numa versão frente/perfil bem mais definida que anuncia futuras mudanças, começando pela textura utilizada pelo artista para grifar a barba, o cabelo e os bigodes em alto relevo (rsrs) Em seguida, Picasso e Braque, Juan Gris, Jean Metzinger e tantos pintores mais, voltaram-se para um novo tipo de construção pictórica, um novo método de fazer cubices, para mim mais surpreendente e atraente. Mas essa será a próxima conversa...