As construções dos cubistas

Juan Gris - Fleurs (1914)

Moacir Pimentel

Nas colagens Braque e Picasso foram os mestres, mas é um prazer mostrar aqui também como Juan Gris, o terceiro eminente membro da fraternidade cubista, foi igualmente extraordinário. A maioria de suas composições retém um pouco mais de realismo espacial do que a dos outros cubistas, mas sua riqueza de materiais, papéis colados um sobre o outro, flores, folhas etc, fratura qualquer unidade pictórica. Na tela acima de nome, As Flores, o que eu mais aprecio é que uma das negritudes habituais do pintor tem a exata forma de um cachimbo e quase ninguém se dá conta do detalhe nessa “merveille”, segundo o título da manchete do jornal (rsrs)

O cubismo sempre foi uma arte de colisões, de união de vários planos pictóricos em uma superfície plana, que também permitiu – porque não? - que recortes da vida real infectassem o supostamente puro ato de imaginar/fazer. Daí as colagens. A partir de 1912 os pintores cubistas passaram a colar um recorte da propaganda do vinho tal recortado de uma revista para representar o rótulo de uma garrafa completamente pintada ou esboçada a carvão. No entanto, também podiam moldar a própria garrafa com papel e/ou folhas de jornal.

Enfim, os mais famosos praticantes do cubismo botaram para quebrar quando suas imagens passaram a ser construídas como sínteses de elementos díspares em um todo coerente. Tudo passou a ser possível no mundo bidimensional. Cordas, lã, papelão, bilhetes de metrô, logomarcas, papéis os mais variados e adesivos, letras, palavras, números, pedaços de madeira, vidro, tecidos diversos, raspas de metal, selos, postais, fotos, páginas de jornal e/ou de livros, partituras musicais, postais, cartas, mapas, palha, folhas secas, desenhos a carvão, lápis e pastel, detalhes pintados a óleo e/ou aquarela e outros objetos prontos, como colheres de chá, compuseram revolucionárias composições com uma abordagem divertida e casual, obras nas quais o toque do artista não tinha mais que desempenhar o papel mais visível.

Georges Braque, por exemplo, optou por usar os jornais, as partituras musicais e o papelão e, diferentemente dos colegas, começou a experimentar misturar serragem e/ou areia com suas tintas com o objetivo de criar texturas interessantes e profundidade. E trabalhou-as usando pentes! Ele também introduziu o uso dos carimbos se afastando de vez da natureza séria e complexa do cubismo analítico. Alguns dos seus trabalhos, como O Violão e o Programa: Estátua d'Epouvante, de 1913, têm uma perfeição inesquecível, que pode ter sido uma espécie de resposta ao desejo de Picasso de consumir tudo e todos.

Georges Braque - La Guitare : « Statue d’épouvante » (1913),

Nas colagens o estrelado passou a ficar por conta dos detalhes, dos efeitos de trompe-l'oeil, das texturas diversas, sutilezas que não se nota em uma observação superficial das telas. Curiosamente, é essa imitação de superfícies e texturas que invadiu e conquistou a última fase do cubismo que mais justifica o seu sobrenome: sintético. A denominação é perfeita para indicar elementos físicos artificiais que imitam coisas reais.

Enquanto o pai de Picasso fora um pintor acadêmico que lhe deu aulas de desenho e pintura desde os seis anos, o de Braque havia sido um pintor e decorador de casas que assegurara que seu filho aprendesse as habilidades artesanais de seu ofício, inclusas as técnicas de pintura decorativa e imitativa de madeira e mármore e granito que o filho usou ao longo de sua carreira para dar à sua obra uma base tátil. Foi dessa formação e espírito que brotaram as suas práticas contraditórias de pintar letras e palavras indutoras de planicidade, e/ou as “trompe l'oeil” criadoras de profundidade e outros detalhes com sombreamento, texturas e colagens para confundir o espaço cubista como na obra de nome Garrafa e Instrumentos Musicais, com o seu decantador de papelão ondulado.

Georges Braque - Bouteille et instruments de musique (1918)

As colagens de Braque franquearam as portas das artes plásticas para a cultura de industrialização em massa – o objeto não precisava mais ser representado por sua imagem, mas por um equivalente, por novos símbolos ópticos, como cordas de violão e cartolinas onduladas. A multidimensionalidade dessa pintura ganhou novo significado com a introdução dos relevos e das texturas.

Muitos modernistas nas suas colagens optaram por criar, em vez das clássicas naturezas mortas, dos instrumentos musicais e de outros temas cubistas típicos, como por exemplo os arlequins, composições lúdicas de figuras humanas e inventaram estranhezas. É o caso do trabalho de nome No Velódromo, feito pelo pintor Jean Metzinger com tinta a óleo, areia e papeis colados sobre a tela.

Essa colagem de Metzinger foi a primeira na arte moderna a homenagear, dentro dos conceitos de múltipla perspectiva, com a simultaneidade de espaço/ tempo, a quarta dimensão e a colagem uma tradicional paixão nacional francesa – o ciclismo! – representando um evento esportivo específico e seu campeão, Charles Crupelandt, o vencedor de 1912 da corrida Paris-Roubaix, então conhecida como O Inferno do Norte, pela extrema dificuldade e pelo risco de se andar de bicicleta pelas estreitas estradas de paralelepípedos do norte da França.

Essa escolha de Metzinger de um tema em movimento é interessante porque casa uma ideia, uma estética gerada pelo moderno mito da máquina e da velocidade, com os elementos cubistas que surgem nessa pista de corrida criando uma imagem que é legível mas essencialmente antinaturalista. As formas foram simplificadas e reduzidas a um esquema geométrico, os planos seguem as regras da justaposição para definir as qualidades espaciais, as perspectivas são múltiplas, a superfície é granulada por areia e na tela muito papel foi colado.

Jean Metzinger - Au vélodrome (1912)

Veja como o ciclista, no sprint final da corrida, foi representado em primeiro plano mas com múltiplas transparências que tumultuam as fronteiras entre as distâncias pois nos permitem ver os elementos do fundo. Através da figura – cabeça, pescoço e braço! - se pode vislumbrar o céu, a estrada e um mosaico colorido representando a plateia. A bicicleta promove uma fusão do indivíduo com a geral em um plano de imagem estático no qual a sugestão de movimento e de velocidade aparece através dos borrões cinzentos, como por exemplo, nos raios da terceira roda. Mas a bicicleta tinha três rodas? É claro que não! A presença de um outro ciclista é revelada pela roda traseira de uma outra bicicleta à esquerda e fugindo da tela (rsrs)

E não, a bicicleta também não tem dois guidões, um castanho e outro cinza raiado. Tanto o guidão quanto outras partes da estrutura da bicicleta - e até do ciclista! - foram sobrepostos como transparências cinzentas sobre a superfície granulada por areia da pista, representando momentos consecutivos, ou seja, a estrada é visível através de corredores espaço/tempo por onde a bicicleta teria estado uma fração de segundo antes. Com um código visual contraditório, dotado de espaços positivos e negativos, como se mostrasse o movimento através da ausência, Metzinger conseguiu discernir, pictoricamente, dois momentos, o passado e o presente infinitesimalmente separados no tempo.

O certo é que, fazendo essa nova arte sintética na qual inventaram a tensão constante entre a ilusão das tintas e o uso de objetos reais colados, Picasso e Braque e Gris e Metzinger e tantos outros artistas causaram uma inflexão no desenvolvimento do cubismo e, portanto, outro ponto de virada na evolução da arte moderna no último século. Para os cubistas, a técnica da colagem tornou-se uma parte central da campanha que defendia francamente a planicidade da tela e lutava contra a ilusão das três dimensões na pintura ocidental. Porém Picasso e Braque ao colar foram além dessa ruptura inicial com o passado e suas tradições pictóricas centenárias.

Pablo Picasso - Nature morte au compotier (1914)

O cubismo descobrira um novo espaço pictórico de referência habitado por imagens mais “legíveis” e essa nova legibilidade só foi possível porque conseguiram colaborar e prosseguiram incorporando materiais do cotidiano à pintura. Com o advento do cubismo sintético, o Picasso esfuziante e subversivo de sempre, que fora relativamente circunspecto durante a fase analítica, foi de novo desencadeado. Conflituoso e competitivo e impaciente ele trouxe a cor para as colagens cubistas que serão sempre as mais grandiosas do século XX. Nelas as suas Naturezas Mortas com Guitarras são as mais populares.

Em algum momento entre outubro e dezembro de 1912, Pablo Picasso começou a fazer violões. Às voltas com papelão, papel, barbante e arame, materiais que ele cortava, dobrava, torcia e colava até que confeccionou um instrumento musical silencioso que não se parecia com nenhuma escultura feita antes. Dona Lenda conta que a galera entrava no estúdio dele, olhava e voltava a olhar e disparava:

“Mas o que é ISSO? É uma pintura fugindo da parede ou uma escultura sem pedestal?”

Pablo Picasso - Guitare (1912) / Guitare, Céret, printemps (1913)

ISSO era a visão do processo interdisciplinar de Picasso, era a incandescente e incansável experimentação material e estrutural na sua obra, era o que fazia o espanhol diferente. ISSO é uma das mais de setenta guitarras cometidas por ele.

Picasso dava de ombros às perguntas e continuava a implodir as fronteiras entre as artes eruditas e a promover o crescimento da cultura popular entre elas. E a pintar outra guitarra de nome Improviso e a esculpir mais uma outra, de metal, e uma quarta usando rótulos de garrafa de vinho e até mesmo pedaços de desenhos antigos para desafiar um sistema de representação baseado na figuração. Além, é claro, de declarar seu amor à boemia e à música flamenca, com suas lindas guitarras espanholas.

Durante os anos do pós-guerra, a colagem tornou-se um meio favorito de muitos artistas pioneiros da arte pop, que incorporaram em seus trabalhos imagens de mídia comercial e publicidade, interrompendo as convenções de longa data sobre os assuntos e materiais permitidos na arte dita “séria”.

A vanguarda europeia após a Primeira Guerra Mundial - os dadaístas e seus primos surrealistas – deram continuidade ao espírito das colagens cubistas anteriores à guerra, preenchendo seu trabalho com objetos e esculturas e imagens usados fora de seus contextos originais ou normais.

O grande Henri Matisse, na década de 50, viu na colagem um potencial de abstração e simplicidade e usou pedaços de papel pintado em suas composições. O trabalho de Matisse com colagem tornou-se especialmente central em sua arte enquanto lutava para pintar em sua velhice. Nos seus cadernos Matisse disse que nunca se expressara verdadeiramente até começar a trabalhar e a se reinventar com papel, tesouras e cola.

Henri Matisse - Colagens

“A expressão, para mim, não reside nas paixões brilhantes de um rosto humano nem se manifesta por movimento violento. Todo o arranjo das minhas imagens é expressivo: o lugar ocupado pelas figuras, os espaços vazios à sua volta, as proporções, tudo tem a sua importância”.

Embora a natureza do Cubismo Sintético fosse bastante espirituosa e caprichosa, a maioria dos críticos de arte o trata muito seriamente e lê um significado enorme em suas conquistas que desempenharam um papel importante nos movimentos mais vanguardistas que vieram depois.

A estratégia de apropriação, de incorporar diretamente um objeto comum e utilizá-lo na construção de uma obra de arte, se fez presente nos movimentos mais revolucionários do início do século XX. A forma como essa arte tratou a composição pictórica, incorporou elementos de mídia mista, desencadeou a criatividade do seu autor e contou com o uso de materiais não convencionais ecoou maciçamente: o último foi um século sintético (rsrs)

A colagem tem sido uma ferramenta primária dos artistas mais inovadores há mais de cem anos Desde os experimentos cubistas de Picasso e Braque e Gris, as obras-primas de Matisse, as colagens de Eduardo Paolozzi e Richard Hamilton, a arte pop e outros pós modernismos, como as obras de arte ditas “interativas” e as tão badaladas “instalações” contemporâneas.

Torço para que a justaposição de imagens e ideias, o questionamento das definições tradicionais de formas de arte, a reapropriação de materiais inéditos e meios alternativos em novos contextos estéticos e conceituais continuem a ser caminhos.

E qual é fim da história dos dois amigos cubistas do peito? Fica para a próxima conversa.