Colando cubos

Georges Braque - La bouteille de vieux marc, verre et journal  (1913)

Moacir Pimentel

Embora os pintores cubistas Pablo Picasso e Georges Braque tenham feito muito sucesso com as suas senhoritas espaço-tempo e seus objetos esfaqueados, de repente, em 1912, as redes de linhas e planos e facetas complicadas do cubismo analítico desapareceram completamente para dar lugar a uma novidade ainda mais radical.

Como alternativa à ideia de dividir um objeto em uma grade quadridimensional, Braque e Picasso passaram a construir e a sintetizar as suas composições usando formas incomuns. Em outras palavras, em vez de olhar de perto um objeto, para analisar e dissecar as suas forma e estrutura, os autores passaram a sintetizar o mundo, criando formas variáveis para todas as coisas a partir de suas imaginações poderosas.

Diz Dona Lenda que, durante o verão de 1912, Georges Braque foi curtir a Provença na companhia de Picasso e da sua jolie companheira, Eva Gouel. E então - alguns dizem que foi em Sorgues, outros que em Avignon -, o pintor entrou em uma bendita loja de ferragens e tintas, onde chamaram–lhe a atenção uns rolos de papel de parede, uma versão primitiva do atual papel adesivo. Então, como agora, esses materiais tinham uma grande variedade de padrões impressos.

Braque, muito mais tarde, confessou que comprara de imediato um deles - que fingia ser painel de carvalho! - mas esperou que Picasso fosse passar uma semana em Paris - para organizar com a nova mulher sua mudança para um outro apartamento no Boulevard Raspail – antes de começar a utilizar o papel em suas composições. Depois que o amigo viajou, ele inventou a sua Natureza Morta com Frutas, Prato e Copo na qual, depois de recortar o papel - @$%&@!! – colou-o diretamente na tela. E pronto: nascia uma nova forma de arte!

Georges Braque - Compotier et verre (1912)

Braque pode simplesmente ter achado divertido incorporar o papel/madeira na composição, mas é mais provável que tenha desejado fazer um trocadilho visual sobre a natureza da representação bidimensional. Ele percebeu que, como o papel parecia realmente com madeira mas era plano, ao ser colado subverteria as relações espaciais, atuando ora como primeiro plano, ora como segundo plano e/ou ambos.

A arte da colagem foi, portanto, o resultado direto do Cubismo, que já integrara sinais e fragmentos de coisas reais para traduzir as confusas relações espaciais dos seus temas. Nessa tela se pode reconhecer sem dificuldades os objetos que moram no título, ou seja, uma tigela de vidro com algumas peras e uvas, entre o que parece ser um prato e um copo, representados pelo o pintor através da técnica chamada de “trompe-l'oeil” - “engana o olho”- que usa truques de perspectiva como a volumetria para criar uma ilusão ótica fazendo com que formas bidimensionais aparentem ter três dimensões.

Porém note que todas as versões volumétricas dos objetos reais reunidas por Braque nessa tela em vez de esclarecer confundem, pois foram posicionadas com o claro propósito de conferir à peça ainda mais distorção perceptual. Sem abandonar a filosofia de não representar com exatidão a realidade, o artista brincou com formas e texturas e papel colado para construir uma pintura que, ao mesmo tempo, é mais traduzível mas muito mais simbólica que as do cubismo anterior: temos que relacionar seus elementos para criar significado e invocar a realidade.

Veja como o pintor cortou e posicionou verticalmente duas tiras de papel/madeira e acrescentou-lhe linhas de tinta preta para sugerir as paredes cobertas por painéis de carvalho de um café e colou horizontalmente um retângulo menor na parte inferior da tela para representar uma mesa na qual acrescentou um círculo para sugerir o puxador de uma gaveta. Em seguida, note como ele esboçou com volumetria a compoteira, as frutas, o copo, o prato, e como traduziu o ambiente ao cravar na tela as palavras ALE – cerveja! - e BAR . O pintor também aplicou uma mistura de areia e gesso ao fundo da composição para o texturizar e aproximar, mais uma vez dificultando a interpretação da perspectiva nesse quebra-cabeça visual que desafia o observador a entender o que é mostrado a partir de pistas.

Os desenhos e as palavras feitos a carvão tanto sobre trechos de tela quanto sobre o papel colado atrapalham o observador, que não sabe o que está em primeiro e/ou em segundo plano. O modo como os objetos estão contidos no espaço é um chiste: no mundo de Braque, as coisas podem flutuar ao lado da mesa e/ou na frente da parede e morar todas, ao mesmo tempo, em um plano bidimensional e na terceira dimensão.

Na verdade, o que o pintor está dizendo nesse trabalho cujos elementos físicos não se relacionam de forma lógica é que tudo é plano mas que os objetos adquirem sentido depois que são posicionados uns sobre os outros para se tornarem algo dimensional e visualmente novo e significativo: um café. O processo mental de Braque foi deliberadamente mistificador e sua técnica cheia de sutilezas.

Embora o pintor tenha precisado se afastar de Picasso e trabalhar sozinho para se sentir seguro o bastante antes de fazer aquilo que seria a primeira colagem da história, quando o amigo retornou de Paris, o inventor mostrou-lhe o inédito trabalho e, é claro, Picasso passou a fazer colagens em série.

O espanhol era rápido e o francês lento - muitas vezes levava anos para concluir uma pintura! - tanto que, entre 1912 e 1914, Picasso cometeu mais de trezentas colagens enquanto que Braque só finalizou meia centena. Mas lembre-se, o crédito pela invenção da colagem é do último (rsrs) Diz Dona Lenda que o toureiro ficou mordido de inveja por ter sido o amigo o inventor do primeiro “papier collé”. Queria que essa reivindicação fosse dele na posteridade e, em parte, o conseguiu por causa da sua avassaladora produção(rsrs)

É claro que os dois pintores se desentendiam e que, entre eles rolou inveja intelectual e artística, palavras amargas e piadas ferinas – afinal os gênios também são humanos. Mas eles eram amigos e continuaram colaborando no desenvolvimento do cubismo. Eis, literalmente, a primeira “colagem” do toureiro:

Pablo Picasso - Nature morte à la chaise cannée (1912)

À primeira vista, essa Natureza Morta com uma Cadeira de Palha não faz sentido e pode lhe parecer um tumulto de formas em vez de uma imagem clara. Mas podemos entender a “mensagem” - e outras como ela - quebrando o código secreto do idioma pictórico cubista sintético.

Se os cubistas desejavam capturar e recriar o verdadeiro sentido da realidade em suas telas, em tradução simultânea pode-se dizer que desafiavam a falsa realidade das tintas, implicando que as obras de arte através da história tinham sido apenas imitações do mundo real. Picasso então usou de outros materiais, que não as suas cores, para desafiar as percepções do observador, sugerindo nesse trabalho o ambiente de um bistrô ou Café.

Para começo de conversa ele emoldurou o trabalho com uma corda. No canto superior direito da tela se vê o cabo de uma faca. Siga-o para a esquerda e encontrará a lâmina fatiando um limão, acima de um guardanapo. À esquerda dessas estranhezas e de pé está um copo de vinho. Tudo bem que é difícil de vê-lo de saída, porque Picasso o pintou simultaneamente de mais de um ângulo, então por favor olhe com atenção. E verá na borda superior da palha da cadeira – que é um pedaço de papel com um padrão de palhinha colado na tela! - a base de vidro, a haste mais grossa do que o normal, e depois o bojo da taça.

À esquerda se lê JOU, as primeiras três letras da palavra francesa “journal”, e é claro que o “Le Journal” era o mais popular da França à época. Um jornal se faz presente no quadro, com bastante clareza embora dobrado. Não confunda o tubo que atravessa o jornal com outra coisa que não um cachimbo. Você consegue ver uma tigela e algumas deliciosas ostras na foto? Pois é, eu também não. Devem ter sido consumidas (rsrs)

Chamar ISSO apenas de “colagem” é ignorar parte da magia do trabalho. O poder dessa natureza morta mora na sua capacidade e no seu interesse de brincar com a diferença entre arte e ilusão - afinal as letras “JOU” também podem ser encontradas no verbo francês “jouer”, significando brincar e/ou jogar - através da simples adição de um material artificial, ou seja, desse papel que imita a palhinha da cadeira.

Por um lado, esse trabalho pode ser percebido como uma representação bidimensional, em uma moldura de corda, de certos objetos reunidos e vistos de vários ângulos. No entanto, por outro lado, a inserção do pedaço de um papel real que parece com a palha usada para cobrir os assentos das cadeiras nos cafés da época faz com que essa imagem seja a de uma mesa oval com um tampo de vidro através do qual, se e quando o olhamos de cima, podemos ver a cadeira abaixo e vários objetos em cima dela. Consequentemente, o observador se torna parte da cena, um cliente sentado em uma mesa de café, lendo seu jornal, parte do jogo, mais um companheiro de copos na brincadeira.

Quando a notícia da nova técnica de Braque e Picasso se espalhou por Montmartre, uma multidão de artistas - outros cubistas, mas também futuristas, dadaístas etc – passaram a trabalhar com colagens “em seguidinho” e a colagem, como o próprio cubismo, foi extremamente influente. Até 1914 Braque se moveu de forma constante por ela e Picasso esteve por todos os lados, ambos representando intencionalmente a cultura popular e de massa em suas obras, questionando se a arte poderia consistir de materiais pré-fabricados, sempre buscando a inovação artística.

Como Braque e Picasso e Gris e Metzinger e todos os outros pintores cubistas fragmentavam o visual e reorganizavam tudo para nos dar uma espécie de instantâneo do que era aquele objeto, ou aquela figura ou aquele momento, ou aquela experiência na sua integralidade - nunca por um de seus ângulos apenas mas por todos eles ao mesmo tempo - eles gostavam especialmente de pintar elementos banais como frutas, utensílios domésticos, bebidas, instrumentos musicais etc, dispostos de diferentes maneiras, por exemplo, em cima de uma mesa para compor naturezas-mortas

Assim, brincando com um tipo de espaço de arte conhecido do prezado público há séculos, ficava mais fácil mostrar novos ângulos das coisas retratadas com novos materiais, cores e texturas sem que, no entanto, os objetos deixassem de ser familiares e reconhecíveis e pudessem ser colocados de volta nos quebra-cabeças que obscureciam a linha divisória entre pintura e escultura, já que a maioria das colagens tinha relevo.

Georges Braque - La Mandoline (1914)

A intenção primeira das colagens de Pablo e Georges e Juan talvez tenha sido criar efeitos plásticos e ultrapassar os limites das sensações visuais que a pintura sugere, despertando no observador também as sensações táteis. Ou quem sabe ao colar eles estivessem reagindo à excessiva fragmentação dos objetos e à destruição de sua estrutura no cubismo analítico, que afastara todas as noções como perspectiva e modelagem, assim como qualquer tipo de efeito ilusório?

Também acredito que a ideia de reciclagem estivesse na essência da arte moderna cuja linguagem é sempre uma reconsideração da história da arte, dos mestres do passado e das suas obras pretéritas. Seja como foi, a tal da colagem passou a descrever uma ampla gama de técnicas de criação artística que dependiam da reapropriação de imagens previamente feitas e de materiais diversos para formar novas composições.

A nova tendência abriu não uma janela na arte - como fez Juan Gris na tela abaixo – mas uma avenida de possibilidades artísticas.

Juan Gris - La fenêtre ouverte (1921)

Embora alguns céticos, no passado, considerassem a colagem uma forma de arte menor do que a pintura e a escultura, é impossível ignorar o seu papel como ferramenta de vanguarda no século XX. Braque, Picasso e Gris - e o resto da galera! - passaram a intercalar trechos pintados e/ou desenhados com pedaços do lixo do mundo colados nas suas telas. ISSO foi um terremoto.

O uso de materiais descartáveis foi um ataque intencional às mentes elevadas que sabiam tudo sobre Dona Arte. Ao incluir esses elementos em obras de arte respeitadas, os artistas cubistas sugeriram que a arte poderia ser feita com uma tesoura e um tubo de cola de forma tão eficaz quanto com pincéis e tintas. Essa foi uma enorme inovação na época, que impactou a cena artística para sempre, como veremos na próxima conversa.