As feras da colina

Henri Matisse - The conversation  (1908 - 1912)

Moacir Pimentel

A tela que abre o post chama-se A Conversa, foi assinada por Henri Matisse e representa um casamento onde ela já não rola. Identifiquei-me com a imagem porque a conversa de hoje que será sobre os “ismos” na pintura do século XX não é uma tarefa fácil.

O grande Matisse oportunamente terá, é claro, posts para chamar de seus e portanto hoje teclarei muito pouco sobre o “pai das feras”, mas adianto que ele era chegado a uma boa prosa. Tudo o que foi escrito sobre o pintor o descreve como um artista cuja mente sempre prevaleceu sobre a emoção, como um intelectual cavalheiresco, sem ponta de selvageria embora lhe sobrasse veemência.

Quando visitei Montmartre pela primeira vez, no final da década de setenta, eu planejava tolamente seguir pelas ladeiras do bairro as pegadas claras dos mais ilustres representantes dos mais famosos “ismos”: o Impressionismo, o Pós Impressionismo, o Fauvismo, o Cubismo, o Orfismo, o Expressionismo e o Surrealismo e por aí vai. Mas descobri que eles se misturaram e é isso o que torna muito difícil uma conversa sobre o tema, ainda mais para quem, como eu, não gosta de rótulos.

Antes de pisar pela primeira vez naquelas paragens, apesar das minhas desinformação e juventude, eu já tinha uma vaga ideia de que três homens – Cézanne, Matisse e Picasso – ali haviam pintado com uma grandeza clássica e que suas visionárias incursões por uma arte nova tinham mudado a compreensão do mundo.

À epoca eu já reverenciava Cézanne mas preferia as artes de Matisse, talvez por não entender absolutamente as coisas de Picasso. Aliás, não poderiam existir dois sujeitos mais diversos. Matisse, assim como Rafael, era um líder nato que ensinou e encorajou outros pintores. Já Picasso, tal como Michelangelo, inibia a todos com os seus carisma, talento e poder, sendo por natureza um déspota.

Porém de início, quem ficou famoso como o “roi des fauves”- o rei das feras - foi Matisse e os seus súditos eram os fauvistas, os pintores que trabalhavam pela cartilha do Fauvismo.

Esse “ismo” foi o primeiro e o mais breve dos movimentos da pintura moderna, aquele que pioneiramente defendeu que a cor devia servir à arte, tal como já fizera - sem rótulos! - van Gogh pintando a Provença com suas cores mentais e até mesmo Gauguin, ao pintar as suas areias de rosa para expressar uma emoção.

Paul Gauguin - Cavaliers sur la plage - II (`906)

A liberdade pinturesca dos fauvistas e o uso expressivo que faziam da cor não naturalista eram uma magnífica comprovação de que haviam estudado com carinho e inteligência a obra de van Gogh, que escreveu em uma de suas cartas:

“Em vez de tentar expressar o que vejo na minha frente, eu uso a cor de maneira totalmente arbitrária para expressar com vigor a minha emoção”.

O certo é que os fauvistas acreditavam inteiramente na cor como forma e força de expressão e espantaram todos os especialistas no Salão de Outono de Paris de 1905 com as estranhezas que fizeram com ela!

Depois de ter visto as coloridas e atrevidas telas rodeando uma frágil e desbotada escultura convencional de um menino, dizem os livros que o crítico de arte Louis Vauxcelles teria comentado que o bronze o fazia pensar em uma escultura do artista renascentista Donatello “parmi les fauves”, ou seja, “entre as feras”.

Viralizou!

E a nova tendência foi batizada. Só que, para contrariar as “feras”, em outubro de 1900, um jovem pintor espanhol havia desembarcado em Paris e, como a maioria dos jovens artistas de vanguarda, se estabelecera em Montmartre.

Aqueles primeiros anos foram financeiramente desafiadores para todos os pintores, pois os seguidores de Pablo Picasso eram desesperadamente pobres e Henri Matisse e a sua turma, embora um pouco mais velhos e um pouco mais conhecidos e figuras já mais familiares no bairro, também sobreviviam com a corda no pescoço.

Há quase quarenta anos ficou-nos claro que, com certeza, estes dois gênios - Picasso e Matisse - e seus esforços para criar um novo vocabulário artístico ocuparam o centro do palco naquela virada de século, mas que é preciso conhecer os outros artistas que nesse script desempenharam os papéis coadjuvantes.

Embora o Fauvismo tenha sido um fenômeno de vida breve que durou apenas pelo tempo durante o qual os seus iniciadores lutaram para encontrar a liberdade artística da qual precisavam, durante a sua breve prosperidade o movimento teve alguns adeptos notáveis como Maurice de Vlaminck, André Derain, Raoul Dufy e Georges Braque, em sentido horário na figura abaixo:

Maurice de Vlaming - Le Seine à Chatou (1906) /  André Derain - Baigneuses (esquisse - 1906)  / Raoul Dufy, Régates à Cowes (1936) / Georges Braque - Paysage prés d'Anvers (1906)

Em Montmartre ficamos quase amigos íntimos dessa turma e muito aprendemos sobre os expoentes dessa revolução colorida. Descobrimos que Derain não se separava da cópia de uma pintura do Cristo Carregando a Cruz feita por Ghirlandaio e que Vlaminck mantinha na parede de seu estúdio, bem acima de seu cavalete, as Três Banhistas de Cézanne. E, ao fim e ao cabo, abstraímos porque todas as tendências se influenciaram.

Penso que mais importante e menos tedioso do que definir o Fauvismo é descobrir a obra dos heróis fauvistas executada na primeira década do século passado: lá estão a simplificação das formas desobedecendo a qualquer comando intelectual, a fuga da ilusão da trimensionalidade, a gestualidade espontânea, o ritmo livre das linhas, a continuidade fluída do desenho, a extenuante experimentação, a alegria de viver afrontando os cânones tradicionais da pintura.

Em Montmartre não foi preciso caçar essas “feras”. Naquelas paragens não tem como não cruzar o caminho de André Derain como descrito nos livros e pintado por Maurice de Vlaminck - alto e magro, todo vestido de branco com o seu inseparável cachimbo e, às vezes, uma boina vermelha.

Maurice de Vlaminck - portrait d'André Derain (1906) / André Derain - portrait de Maurice de Vlaminck (1905)

Nem como evitar esbarrar no prezado Maurice, como se auto retratou tantas vezes e como foi imortalizado por Derain - corpanzil, olhos azuis, cabelo e bigode ruivos, casaco verde, lenço vermelho no bolso da lapela e gravata espalhafatosa. Os rostos dos dois artistas nos encaram dos posters coloridos que enfeitam as vitrines e calçadas de Montmartre e as reproduções de suas obras mais famosas estão à venda por todos os lados do bairro.

Para quem contempla as telas dos “feras” fica claro como o sol do meio dia, por exemplo, o quanto eles foram influenciados pelo ardor passional no uso das cores de van Gogh, e pelo primitivismo de Gauguin ao inventar aquelas telas planas quase sem matizes explodindo em cores puras saídas direto das bisnagas de tintas. Foi com Matisse, Vlaminck e Derain que a cor perdeu as qualidades descritivas e tornou-se luminosa, criando a luz em vez de imitá-la.

E foi em Montmartre que ouvimos falar, pela primeira vez, de uma outra cidade querida pelos artistas, a minúscula Collioure, onde Matisse se refugiou no verão de 1905 para inventar o tal novo tratamento para a cor - já escorregando para o terreno emocional - e fez a luz suprimir as sombras na sua revolucionária pintura La Bonheur de Vivre - A Alegria de Viver! - que, por sua vez, inspirou os pincéis de Vlaminck nas paisagens e, especialmente, os de Derain nos seus famosos barcos de Collioure. Um deleite com o mero feitio das coisas que pode até não ser arte profunda, mas sem dúvida oferece prazer visual.

Henri Matisse - Le bonheur de vivre (1906) / Maurice Vlaminck - Restaurant "La Machine" at Bougival (1905) / André Derain - Bateaux à Collioure (1905)

Diante das telas luminosas e pontilhadas de Derain e Vlaminck a gente reconhece o distante parentesco dessas tintas com aquelas dos competentes impressionistas, que trabalharam intimamente alinhados e foram capazes de realizar oito exposições conjuntas entre 1874 e 1886. Assim, apesar de brilhantes dissidentes como Cézanne e van Gogh, eles ergueram o Impressionismo sobre colunas sólidas, diferentemente do que fizeram os fauvistas, que nunca chegaram a formar um grupo coeso e que, já em 1908, começaram a perder muitos adeptos para o cubismo.

Quem olha com atenção para as telas de André Derain e Maurice de Vlamink entende porque esses dois, os pintores co-fundadores do Fauvismo juntamente com Matisse, seguiram noutra direção pelas ruas de Montmartre, quando Braque e Picasso começaram a fazer suas coisas cubistas.

E descobre que, com o novo século, a história da arte deixara de seguir um único enredo. Novas experimentações e seus desenvolvimentos variados levaram os criadores à concorrência ou alavancaram rapidamente alianças mesmo dentro da pequena comunidade de artistas de vanguarda de Montmartre.

Braque e Derain, por exemplo, que apareceram na foto pela primeira vez como próximos colaboradores de Matisse na criação do Fauvismo, pouco tempo depois se distanciaram, mas não sem que Derain pintasse expressivamente o mestre.

André Derain - Henri Matisse (1905)

Com a idade André Derain conteve o seu ardor até atingir uma calma clássica mas enquanto foi “fera” mostrou uma veemência primitiva. Durante um certo tempo Derain e Vlaminck dividiram um ateliê e um interesse pela arte africana colecionando máscaras e estatuetas daquele continente. Essa moda de arte tribal começara mesmo com Gauguin, mas a digital africana também é evidente nas artes de Picasso e Matisse.

São desse período de convívio criativo diário duas das mais belas obras de Derain e Vlaminck, respectivamente A Ponte de Charing Cross e O Rio, que compartilham a mesma força vibrante e o uso desinibido das paletas. A ponte de Derain atravessa uma Londres estranhamente tropical, liberta das brumas, onde a majestade é Dona Cor.

André Derain - Charing Cross Bridge, London (1906) / Maurice Vlaminck - La Seine à Chatou (1908)

E O Rio do Maurice? Bem, Vlaminck se proclamava “primitivo”, e tinha mesmo um quê de “fera”, pelo menos no rigor sombrio de seus humores. Note que mesmo que esse rio pareça pacífico, sentimos uma tempestade aproximar-se (rsrs)

Depois do fervor fauvista, Derain acompanhou Braque e ainda entrou na órbita de Picasso antes de seguir seu próprio caminho. Braque afastou-se dos interesses fauvistas e, com o desenvolvimento do cubismo, tornou-se excepcionalmente próximo de Picasso.

É patente o quanto todos esses talentos deixaram suas influências nos trabalhos uns dos outros. Não nos surpreendemos vendo as cores brilhantes da água do mar de Collioure, pintadas por Derain, repetidas na composição vívida que Matisse cometeu na tela de nome Música...

Henri Matisse - La Musique (1910) / La Danse II (1910)

... em preparação intuitiva e já esboçando, sem saber, o design espacial e os padrões rítmicos e amplos que mais tarde deixou na sua imensa Dança.

É difícil narrar como as duas direções centrais da arte moderna surgiram. De uma forma muito simplista, pode-se dizer que Matisse estava interessado na cor e no espaço, enquanto Picasso se concentrava na linha e na forma. Na verdade, a direção artística tomada por Picasso pode ter sido, em parte, uma reação à ênfase de Matisse na cor, que pode muito bem ter despertado no toureiro a necessidade de se mover por uma estrada diferente.

Mas essa é uma outra longa e cubista conversa.