Os Diários do Oleiro

Brennand - A Modelo

Moacir Pimentel

Era tão famosa quanto a sua arte a mitologia amorosa do artista Francisco Brennand, notadamente com as suas modelos. Em dezembro de 2016 o artista publicou finalmente os seus diários, cinquenta anos de memórias rascunhadas entre 1949 e 1999 em quatro volumes e um total de duas mil cento e noventa páginas. Os três primeiros volumes foram batizados de “O Nome do Livro” porque por décadas vendo-o escrever tão diligentemente os amigos lhe perguntavam “qual seria o nome do livro”. O quarto volume que se chama “O Nome do Outro” é um acerto de contas com o passado, só que feito através de personagens fictícios. E a lenda continua! (rsrs)

Brennand nos seus escritos nos assegura que, se Van Gogh não tivesse escrito aquelas cartas, ele não teria sido considerado tão genial por todo mundo e esclarece que foi a emoção que experimentou ao ler o livro “Noa Noa”, um registro das impressões do pintor francês Paul Gauguin sobre o seu exílio na Polinésia Francesa, aquilo que o inspirou e motivou a começar a rascunhar o seu próprio diário.

Brennand concluiu que jamais poderia saber apenas olhando para as maravilhosas telas de Gauguin que “noa noa” era o perfume exalado pelas mulheres taitianas - “meio animal, meio vegetal, um cheiro de sangue misturado ao das gardênias que usavam nos cabelos”- descrito pelas pretinhas de Gauguin. Ao terminar a leitura começou a escrever no navio que levava a ele e a esposa Deborah para a mesma Paris da qual Gauguin fugira.

Desde então Brennand tem escrito diariamente e desejado publicar os seus rascunhos.

“Quantas vezes abro este caderno, aturdido pelas lembranças e pronto para iniciar o que tantos outros artistas, escultores e pintores fizeram em grande parte de suas vidas!”, escreveu Brennand na primeira página.

E questiona:

“O que posso pedir mais da vida? Nada. Passei a vida inteira com desejo de publicar isto. Não há escritor que não escreva com a intenção de publicar. Borges diz: “o leitor é o autor duplicado”.

Para viver as peripécias que narra Brennand precisou de muito talento e fôlego para nos contar de viagens, amores, amigos, inimizades, livros, aprendizados, processo criativo, a morte da companheira do cisne que habita o lago da Oficina e os seus encanto e paixão pelas mulheres que às vezes beira à misoginia (rsrs)

“A maioridade espiritual da mulher é a concepção e suas consequências (...) Só a Mãe Natureza percebe aquilo que elas de fato sabem. Sabedoria totalmente oculta à percepção dos homens. No final das contas, ficamos empatados, embora não exatamente iguais”.

O artista, que agora tem também leitores entre os seus fãs, jura que escreveu muita tolice e que se arrependeu, sobretudo, dos cadernos preenchidos entre os anos de 1963 a 1973, os quais queimou na “cabeça do forno” junto com suas peças de cerâmica. Aquilo não me pareceu apenas um diário mas antes um retrato do seu mundo da lua com histórias realmente especiais, que se misturam e vão nos atropelando:

“As histórias me embrenham pelos ouvidos, elas me fascinam e eu não me esqueço delas.”

Os diários são incrivelmente reveladores do homem e, é claro, do artista. Se quando escreve Francisco Brennand continua esculpindo quando desenha ele pinta e, sem dúvida, foi muito gratificante para nós entrar em contato com a pintura dele na sua totalidade, quando a Accademia foi inaugurada na Oficina. Até então dele só conhecíamos as gravuras, tramas em linhas incisivas e cores que muito variaram através de décadas.

Os desenhos do artista são muitas vezes realizados em técnica mista, com uma sensível dominância do pastel, e neles o que salta aos olhos do espectador é a importância das cores.

Os quadros de Brennand falam de tudo: mulheres, naturezas mortas, flora e formas vegetais. Ele prefere os esboços e estudos preparatórios de suas telas às obras concluídas. É sabido que o artista geralmente parte de uma fotografia de seu tema e que lhe servem de modelos os familiares e funcionários.

Paisagens e animais não estão ausentes nas pinturas e desenhos de Francisco Brennand, e com alguns exemplos magistrais, como na série “Os Peixes” onde ele quase adentra o surrealismo. Mas a figura humana domina, especialmente a figura feminina, trabalhada de todas as maneiras possíveis, das mais naturalistas às mais expressionistas, do nu a todas as etapas do desnudamento e nas mais variadas situações e idades e ambiências.

Nas suas telas é constante a presença de figuras femininas que são retratadas ora como se estivessem posando para Brennand, ora como se desconhecessem que estão sendo observadas.

Mais uma vez Mestre Ariano Suassuna traduz o amigo

“Os pintores aprendem o segredo das cores e vernizes brilhantes, para acariciar tecidos finos, captam a carnação das mulheres, enfeitando-as de jóias para maior sedução. Por meio de desenhos descuidados e cuidadosamente dúbios, imobilizam as folhas e os frutos sumarentos, surpreendidos em seu eterno oferecimento. E por aí vão.”

Pequenas figuras de vastas barbas brancas se encontram em muitas das cenas fazendo-nos torcer para que, caso cheguemos a tão avançada idade, nos reste a metade da força do olhar do pintor tão bem descrito por Ariano.

Às vezes, nessa celebração surge a figura do pintor, discretamente, dissimuladamente auto retratado. Há nas pinturas de Brennand, aí sim, um erotismo violento, às vezes criado puramente pela imagem, às vezes pelo conceito anexado a ela.

Aliás, a fábula da Chapeuzinho despertou a curiosidade do público, como nem mesmo suas abordagens anteriores da Suzana e os Velhos ou da Alice no País das Maravilhas, conseguiram. Tratando-se de um confesso admirador de Balthus, a curiosidade é compreensível (rsrs)

Certos temas são recorrentes nas pinturas de Brennand, como as garotas muito jovens, as ninfetas e lolitas, como, por exemplo, nas séries das Chapeuzinhos Vermelhos e das Ginastas, nas quais o artista já assumiu que é o “Lobo Mau”.

Mesmo sendo autor personalíssimo, há algumas influências cristalinas nas telas e desenhos de Brennand: a de Balthus, com quem compartilha a atração por uma certa mise-en-scène oblíqua, às vezes lampejos de Egon Schiele, e até mesmo uma ou outra pincelada de Klimt.

Numa série como “O Beco” - beco que de fato existe na Oficina Brennand - ele vai quase ao mais violento expressionismo

Sobre a sua mais recente pintura, diz Brennand:

“Nada procurem de “tropical” nos meus quadros da idade madura, perdido no labirinto do lobo como prefiro me encontrar, aqui na Várzea às vezes tão sombria nos fins de tarde”.

Os seus quadros mais modernos feitos com tintas acrílicas sobre tela têm um ambiente incerto e enevoado, quase abstrato e tão noturno quanto as paisagens inglesas de onde veio o primeiro dos Brennands do clã brasileiro.

Certas obras, no entanto, não evocam o erotismo como pode parecer ou se tenta comprovar. Não estou falando, é claro, daquelas telas nas quais o assunto é notoriamente “aquilo”,

mas especificamente daqueles desenhos em que mesmo a representação do nu feminino não aponta para tal aspecto da sexualidade. Naqueles cuja temática não é alegre, mas sim filosófica, e sua filosofia conduz às dores da condição humana.

“Quem disse que o artista procura fugir do sofrimento?”

Pode soar estranha uma tese em que se tente separar a interpretação plástica do corpo nu de sua conotação erótica, só que a representação do nu feminino nas telas e esculturas de Brennand mesmo quando estão ligadas a sexualidade, fala da natureza humana.

O que Brennand tenta comunicar é que em alguns momentos nas suas telas a nudez parece pedir perdão, ou a expiação dessa tristeza que ele descreve. Em outros momentos, a nudez explícita está muito mais presente num rosto, em um olhar pedindo piedade e compreensão.

Sobre o assunto escreveu Mestre Ariano

“Não é portanto de se espantar sendo o sentido da visão o ponto de partida desse anseio sensual e quase obsceno de posse, que o desejo culposo que deveria vir à tona diante de um corpo feminino apareça, em vez disso, diante da forma onírica de uma flor que se abre ou de um fruto que se entremostra. Ou que, pelo contrário, tal mulher que se oferece tenha algo de cândido em sua animalidade".

E nos diz o artista:

“Um corpo nu também pode ser a metáfora ou a imagem da mais profunda tristeza, da rendição de todas as vaidades, do desejo e da consciência de sermos apenas esse corpo”.

É isto o que acontece, por exemplo, com a série de mulheres mulçumanas que, entre as demais, pareceu-me mais um símbolo da inquietação do artista com o embate entre humano e o divino. Nestes desenhos, os limites entre a religião e o humano nos questionam.

E a mulher, de quem mal distinguimos as formas sob o manto e a burka - que lhe cobre a cabeça e apaga a identidade - é retratada por Brennand sempre de forma a não poder negar o inevitável: a existência de seu corpo.

A forma se rebela e luta contra a anulação. Por isso, através de tantos quantos forem os panos a encobrir-lhes as vontades, as linhas e gestos femininos, as formas daquelas figuras são como gritos de insurreição ou ainda gemidos que denunciam ali a presença de uma mulher.

Se na fragmentação das formas humanas em sua escultura Brennand nos guia através de uma espécie de “templo de sacrifícios”, sua obra desenhada e pintada é uma homenagem à mulher, essa mulher que é, em todos os mundos do artista– o real, o pictórico e o escultórico - o centro de tudo.

Desde as primeiras figuras acadêmicas, passando pela fase floral e as paisagens e naturezas mortas, é a mulher, das mais diferentes idades, uma obsessão do artista.

Às vezes temos a impressão que seus desenhos são tarefas de casa, que as tais “desconstruções” são o real objetivo, mais importantes que o tema, como se ele precisasse do exercício do traço e da pintura para não perder o faro. Percebe- se uma busca do gesto primitivo, talvez anterior mesmo ao risco rupestre, só existente nos desenhos das crianças.

Tal qual nos rabiscos de nossos netos, não se pode desvendar a figura, definir o sexo, saber se houve crime ou se é só pesadelo mas uma coisa é certa: Brennand parece buscar a dor humana.

Que Brennand é um sedutor, não se tem dúvidas. Mas ele é também, sobretudo, um homem esotérico, um místico que transforma todas as suas expressões criativas, do desenho à pintura, da cerâmica à escultura, em símbolos que não estão desprovidos de sensualidade – não há anjos nas nossas praias! mas que nos expressam uma perplexidade comovente e estão muito próximos da forma de religiosidade dele – seja ela qual for.

Brennand é um construtor, um arquiteto, que utiliza de forma extremada o seu instinto de jogo, de vida e morte e nos entrega um universo de grande riqueza plástica.

fotografia Moacir Pimentel

Um senhor feudal que não vive longe da sua terra, um animal metafísico, um cavalheiro do século passado, um amante da beleza “em convulsão” que, com sentimento, paixão e intuição, ele mantém viva nas suas paragens. Na Oficina Francisco Brennand reconhecemos um lugar luminoso. Cada uma de suas obras guarda um segredo que é importante revelar, porque essas figuras são partes de um todo infinito.

Quem enxerga “pecado” original nas obras do artista, o faz sem ter realmente visto aquela velha olaria banhada pelo sol.

É pela arte que Brennand se comunica. Mas olhando para a obra dele, lendo sobre ela, tentando descrevê-la, nunca chegaremos à verdade, pois fazemos leituras circunstancializadas por nossa individualidade, por nossa formação, por gosto e valores, que nos impediriam de ver o mundo que Brennand percebe. No conjunto, a sua arte é uma resposta a uma realidade interna labiríntica e a um mundo externo conturbado. Por isso, a sua beleza é terrível.

É a mesma beleza das máscaras africanas, dos desastres da guerra pintados por Goya, da carnalidade sagrada e do sangue e do terror da via crucis do Aleijadinho, das luzes em redemoinho das Noites Estreladas de van Gogh, das cores do Grito de Munch, da antropofagia de Tarsila do Amaral, da abstração das Ninféias de Monet, dos planos e cortes das Senhoritas de Picasso, da melancolia da obra de Farnese de Andrade.

Este tipo de belo não se mede por regras ou por cânones – mede-se pelo efeito que causa. Talvez falte a Brennand um tanto de piedade, mas ele não é um apologista pagão da vida. Entendo a arte de Brennand como um ato de vida, uma negação da morte, um exercício de resistência, como a dos primeiros pintores rupestres desse mundo que, tenho certeza, ou eram xamãs ou iniciados nessa aventura.

Contudo, contemplando as pobres degoladas, as personagens mitológicas e históricas, as grandes cabeças, os totens e a carnificina no universo da sexualidade, não tenho dúvida de que Brennand olha também - e assustado - para a morte, a eternidade, o infinito. Todos o fazemos.

As metáforas criadas por Brennand no seu imenso repertório de obras são inesgotáveis. Ele e a natureza nos surpreendem e permanecem incompreensíveis na exaltação, numa espécie de orgia, de frevo, de fervor, de ode carnavalesca à beleza e à reprodução. Depois de tanto escrever percebo que a arte de Brennand continua inexplicável. Recuso-me a continuar tentando fazer com ela o que aquele personagem de um dos poemas de Machado de Assis fez com a bela e mágica Mosca Azul.

Dissecou-a,

A tal ponto, e com tal arte,

que ela,

Rota,

Baça, nojenta, vil

Sucumbiu;

E com isto esvaiu-se-lhe

Aquela Visão

Fantástica

e sutil

Brennand é Brennand e é ele quem termina por mim este artigo:

“Comer argila pode ser um caminho para a salvação. Eu estou sozinho, assim como o dia em que nasci, antes do que todos nós temos que fazer um dia. Aceitar o inevitável.”