A Noiva Judia

Moacir Pimentel

A capital holandesa é uma delícia! Adoro perambular pelas ruas de pedras antigas, atravessar as pontes sobre seus charmosos canais, curtir o belo artesanato de brinquedos de madeira, aplaudir seus músicos e artistas se apresentando nas ruas, ir aos restaurantes indonésios e degustar uma daquelas refeições de setenta mini-pratos picantes e coloridos, que a gente come gemendo, apesar de não fazer ideia do que está comendo.

Depois do banquete, que pode durar horas, vale conferir a fama do Distrito das Luzes Vermelhas, nascido à partir do século XIII, quando os marinheiros e piratas que chegavam cansados de suas viagens, passavam por lá e as famosas e belas donzelas ofereciam-se para curar esse cansaço em bordéis iluminados por lampiões de luzes vermelhas. Todos querem passar pelo menos uma vez pelas ruas cheias de vitrines com belas modelos, e outras nem tão belas assim... rsrs... vivas e à venda. Isso mesmo, por lá a prostituição é considerada uma profissão e portanto é legalizada não só em Amsterdam, mas em toda a Holanda.

Sinceramente? Sinto-me, aos 61 anos, mais à vontade em meio às artes. O meu museu predileto em Amsterdam é o de Van Gogh, no qual as obras do artista são expostas cronologicamente nos fazendo perceber claramente que, à medida em que o artista enlouquecia, ele ia se tornando... um gênio!

O Rijksmuseum, ali pertinho das estupendas cores de Van Gogh, é imperdível, tanto pela beleza arquitetônica com sotaques góticos e renascentistas do palácio onde funciona, como pelas suas coleções de pinturas dos mestres holandeses, das obras dos seus múltiplos alunos e de magníficos exemplares da arte asiática.

Talvez o mais famoso quadro do Rijks seja a Ronda Noturna de Rembrandt, mas diante dele me faltam as palavras. Devo confessar que muito aprecio A Leiteira de Vermeer, mas com teimosia absoluta a minha tela preferida neste templo às artes é outra, muito menos badalada. Chama-se A NOIVA JUDIA e nasceu da paleta do Mestre Rembrandt:

 

A Noiva Judia (Rembrandt Van Rijn)

                        Durante muito tempo se acreditou que esta tela  fosse a narrativa de um pai judeu dando um colar de presente à sua filha,  no dia de seu casamento. Hoje, embora as identidades das duas pessoas permaneçam obscuras, a maioria dos historiadores de arte, entre eles a minha cara metade, acredita que essa expressão real de amor criada pelo mestre realista durante a época barroca seja a de um casal de judeus.

Para mim, A Noiva é a maior, a mais psicológica e a mais penetrante de todas as obras de Rembrandt. Na realidade, o artista nunca nomeou a tela, mas o nome é adequado, porque os trajes sugerem que o casal é judeu e porque nenhum observador, de alma funda, consegue deixar de emocionar-se com a sensação do sagrado dessa pintura. Nunca saberemos quem foram essas duas criaturas desconhecidas, mas fica evidente que são casados.

A figura da protagonista não é muito jovem e, embora vestida com esplendor,  tem um rosto sem atrativos. Mas, sem quaisquer dúvidas, essa mulher seja quem for, pelo menos no espaço emoldurado, foi  muito amada e pertence de corpo e alma a esse marido.

Eu me encanto com a expressividade dos elementos humanos visíveis - os rostos e mãos - em comparação com o volume e a  imobilidade de suas vestes. O chiaroscuro faz tudo parecer mais tridimensional, e a representação requintada do colar, das pulseiras e dos anéis da esposa, adiciona um tipo de opulência bizantino ao todo. As joias da mulher são apenas salpicos e gotículas de tinta, realçadas pelo branco. Não se pode deixar de olhar para a manga dourada da roupa do sujeito da cena. Que técnica! Rembrandt usou de pinceladas curtas e entrecortadas para recriar inúmeras pregas "tremeluzentes". Toques de tinta branca e grossa correspondem aos pontos mais brilhantes. Na superfície da tela, crostas de tinta espessa faíscam, e nos fazem quase sentir as roupas duras, armadas e pesadas, em contraste e potencializando a suavidade e vulnerabilidade afetiva das figuras.

Apesar da opulência e beleza dos trajes nupciais, o irresistível impacto dessa pintura reside na sua singela autenticidade emotiva. Rembrandt, como sempre, permite que a luz e a cor nos revelem o significado do episódio, comovendo-nos com a complexidade humana. O magnífico equilíbrio de vermelho, dourado e marrons quentes cria-se em torno da sua profunda e compassiva sensibilidade para as relações humanas.

Devotadamente, esse marido envolve a mulher em um abraço de pungente ternura. Há uma leveza de contato físico entre o par que sugere profunda fidelidade amorosa. Ele coloca suavemente a mão esquerda no ombro da mulher amada, enquanto a direita pousa sobre um dos seus seios - com carinho ao invés de desejo - acariciando um presente amoroso: a corrente que  desliza pelo colo da moça, que é de ouro - uma prenda do marido - e que, todavia ainda é o que é: uma corrente sobre um ventre que está grávido.

Essa faceta do amor - a de que ele prende, a de que o seu milagre torna-se inseparável do seu peso - é o que parece preocupar a mulher. Ela está pensando nas responsabilidades de amar e ser amada, de receber e dar. Não por acaso, a mão direita da mulher encontra-se também sobre o ventre, pois os filhos são a responsabilidade fundamental que o amor acarreta numa união. O amor une, o amor pesa, o amor oprime, mas é a experiência mais séria e realizadora que podemos conhecer nas nossas vidas. O que torna essa obra inesquecível é a consciência profunda que Rembrandt parece ter dessa verdade e a beleza visual da narrativa que faz dela.

O que mais ?

A mão esquerda da  noiva judia também está pousada lindamente sobre a do marido, com uma ternura imensa, como se o completo significado desse enlace residisse não na carne, mas bem fundo no íntimo. Outro detalhe importante: a tão autêntica expressão facial do marido. O meio sorriso e os olhos emocionados e enternecidos. Ele parece um pouco caído, desgastado pelas preocupações, com rugas em torno dos olhos e da boca e o cabelo rareando. Ele não nos dá mostras arrebatadas do seu sentimento e não há nele qualquer impressão de posse masculina, de poder, mas apenas uma certeza serena do seu papel, do seu destino, da sua promessa, enquanto inclina a cabeça em direção à noiva, perdido em pensamentos, quase como se escutasse os pensamentos dela. Ela é sua responsabilidade, a sua missão.

Essas figuras se dirigem a mim como se eu fosse testemunha deste casamento. Mas a intimidade entre as figuras desta tela é tal que tenho a sensação de estar me intrometendo num momento muito privativo.

A pintura é mesmo uma linguagem. Tudo bem que é fundamental se ter algum conhecimento sobre a ficha técnica de um quadro, seu histórico, seu nome, seus personagens, o estilo do artista. Mas muito mais importante é o enredo que a obra nos passa. As emoções que ela nos comunica, a narrativa que imaginamos para as suas figuras, as associações que nossas mentes realizam diante do trabalho, aquilo que do mais profundo  de nós a pintura faz aflorar à superfície, à flor da pele.

Porém, diante desta tela - talvez por ela ser um mais que perfeito retrato psicológico - apesar de todo este clima de romance, não me deparo com um cenário totalmente feliz. Seus personagens possuem um quê de melancolia, como se soubessem o quanto é incerto o que o futuro lhes reserva. Mas estes dois estranhos sentem uma emoção que eu reconheço, que eu experimento, e me fazem pensar em um famoso casamento bíblico, em um amor maior que a vida, eternizado em um soneto de Camões, de nome Raquel:

Sete anos de pastor Jacob servia

Labão, pai de Raquel, serrana bela;

Mas não servia ao pai, servia a ela,

E a ela só por prêmio pretendia.

Os dias, na esperança de um só dia,

Passava, contentando-se com vê-la;

Porém o pai, usando de cautela,

Em lugar de Raquel lhe dava Lia.

Vendo o triste pastor que com enganos

Lhe fora assim negada  a sua pastora,

Como se a não tivera merecida;

Começa de servir outros sete  anos,

Dizendo: – Mais serviria, se não fora

Para tão longo amor tão curta a vida!