Um Caravaggio Realista

Moacir Pimentel

Antes de ir a Nápoles atrás da arte de Caravaggio, já conhecíamos de perto outras obras do artista, como por exemplo aquela na qual o amor de Caravaggio pelas armas letais - as várias espadas e facas que ele colecionava - é confessado abertamente. Trata-se da pintura de Santa Catarina de Alexandria, que está agora na coleção Thyssen, em Madrid.

Também era nossa velha conhecida a Madona e a Criança com Santana, também chamada de Dei Palafrenieri – A Madona dos Cavaleiros, numa livre tradução - porque foi pintada para a Igreja de Santana dei Palafrenieri, na Via di Porta Angelica, perto do Vaticano, onde esteve por algum tempo antes de ser comprada pelo Cardeal Scipione Borghese e se mudar para a Galleria dele, hoje um dos melhores museus desse mundo.

Caravaggio - Santa Catarina / Madona dos Cavaleiros

  

Quanto à Santa Catarina... Pense em uma estranha santa. Ela usa um vestido negro e azul magnífico, e olha casualmente para o lado de fora do quadro. Sua mão esquerda segura, suavemente e com prazer sensual, a alça da longa e fina espada, que será um dos instrumentos de seu martírio. Seu dedo indicador direito toca a lâmina brilhante e eu quase posso ver algum sangue.

Já a pintura da Madona com a serpente chocou a todos, menos ao Cardeal Borghese que de arte entendia e bem, é claro. Ela é controversa por um motivo óbvio: é uma representação atípica das mulheres da Sagrada Família. A alegoria, em sua essência, é simples: Maria e o seu filho, que ela guia, pisam descalços uma serpente, o emblema do mal ou do pecado original, observados por Santana.

Aí começaram os problemas: a senhora avó do menino, a quem a pintura deveria honrar, foi pintada velha e enrugada. Aliás o rosto dessa Santana é muito parecido com alguns desenhos de mulheres idosas feitos por Leonardo da Vinci.

Jesus é um menino incircunciso totalmente nu. Figurati! Tudo o mais é principalmente sombra e as figuras ganham monumentalidade por causa da luz. Como se não bastasse ousar pintar a galera divina interagindo com uma serpente, Caravaggio caprichou no decote revelador da Virgem Maria.

Era quase demais até mesmo para a permissiva e decadente Roma!

Mas... no final do século XVI, Caravaggio teve a sorte de viver e pintar durante a Contra-Reforma, quando praticamente toda a cidade de Roma foi submetida a um projeto de renovação das igrejas antigas e de construção de novos templos, em um esforço para atrair os protestantes de volta para a fé católica. Todos estes novos espaços precisavam de decoração, e os artistas não se fizeram de rogados. Não faltava trabalho para Caravaggio.

Os romanos podem até ter se alarmado com a sensualidade explícita das obras caravaggianas, mas o que atraiu a condenação sobre a cabeça do artista foi mesmo o realismo instransigente das suas obras religiosas.

Dentre elas a mais polêmica é, sem dúvida, A Morte da Virgem.

Caravaggio - A Morte da Virgem

Os carmelitas que haviam encomendado a obra recusaram-na, considerando-a indecente. Correu o boato de que o modelo para a Virgem fora uma prostituta afogada. É de fato um quadro chocante, em que a luz incinde com brutal irreversibilidade no rosto comum e envelhecido do cadáver, esparramado na cama com os pés descalços - e sujos! – a projetarem-se de modo nada romântico.

O que nos choca nessa tela é a sensação da verdadeira morte,de verdadeiro luto, sem que coisa alguma seja asseada ou desodorizada.

Se Maria era humana, então realmente morreu e não faltou fé ao artista mas aos clérigos horrorizados que rejeitaram essa obra prima. Até porque em termos teológicos, uma Virgem pobre, velha e acabada faz absoluto sentido assim como o luto profundo dos apóstolos.

Essa mulher era tudo o lhes restara do mestre. Veja que Madalena encolhe-se de pesar e que os homens lamentam-se de maneira diversa, mas igualmente dolorida.

Maria não nos é mostrada do modo habitual, subindo gloriosamente para o Céu, rodeada por querubins que nada têm a ver com os pobres mortais. Na tela encaramos um cadáver humano, reconhecemos nele a nossa humanidade, e somos solidários com uma perda humana.

Veja como acima da cena, uma espécie de cortina teatral, esse grande pano escarlate amontoado, aumenta o efeito dramático da cena, aludindo silenciosamente ao mistério da mulher que pariu o divino, ao vermelho sangue do seu amor materno, numa analogia com o martírio ou ao movimento ascendente das almas.

Em um maravilhoso contraste, veja o vaso de cobre à beira da Madalena, sugerindo-nos que ela estivera lavando o corpo. A bacia me faz recordar uma doce voz feminina da minha infância, a da minha avó advogando os choramingos das netinhas contra a impaciência dos netos:

 “Tenham paciência com as mulheres, pois são elas que dão à luz e lavam os corpos”.

Cada detalhe realista torna a obra mais e não menos religiosa e a faz ter sobre a gente um impacto emocional maior. Como amar a deus ignorando o homem? Não é a humanidade em nós que almeja o divino?

Essa tela é vanguardista, é espantosa e livre das convenções da arte e da vida. Ela guarda a realidade, contém uma verdade que, por si só, além de bela, para mim é sagrada.

Pelas mãos de Caravaggio, pela primeira vez, a arte encarou toda a realidade da existência humana, com seus altos e baixos, seu esplendor e sua sórdida materialidade. Ele foi sensível à veracidade humana, a todo o espectro da vida real e aceitou e amou isso, criando grande arte.

Como dizia o grande Terentius:

“Homo sum: humani nil a me alienum puto”

Ou por outra, se somos humanos, nada do que é humano deveria nos ser estranho. E sim tudo aquilo que não é.

A perfeição, inclusive.