Um Picasso Amoroso

Moacir Pimentel

Quem ama Paris, venera os seus museus, que são tantos e tão imensos, que uma vida só não basta para conhecê-los. No inverno da vida a gente já tem em cada um deles nossas predileções, namoradas e amigos que, se calhar, enquanto visitamos as exposições da vez, sempre arranjamos um tempinho para rever.

Se o tempo é curto é preciso escolher e então, de coração partido, deleta-se os demais e permanecemos fieis aos favoritos: o pequeno e lindo e íntimo Museu da Idade Média - Termas de Cluny, erguido sobre as ruínas romanas da cidade, onde mora, em um edifício gótico de altas janelas medievais e sacadas de pedras bordadas, uma incomparável princesa, a adorável Senhora do Unicórnio, em tapeçarias gigantescas onde mãos de fada teceram uma alegoria complicada ao amor e aos cinco sentidos.

Em seguida, a gente se rende à beleza dos lírios d’água de Claude Monet, que tomam de assalto os salões elípticos especialmente concebidos para hospedar as maravilhas do artista da luz, como flores aquáticas, salgueiros, reflexões aquosas e nuvens quase se dissolvendo na abstração. Termina que somos convencidos de que é vital ver tudo aqui na real e então aluga-se um carro e nos perdemos no vinho e nos jardins de Giverny.  

Para ver a bela Olímpia de Manet, é só sair da Orangerie, atravessar a passarela das Tuileries, bem em frente, e redescobrir na velha estação de trem que transformaram no Museu d'Orsay, onde antes de qualquer coisa, dos realistas e simbolistas e impressionistas e pós - e inclusive das telas gigantes de Courbet! -é preciso fazer uma parada técnica no Café de l'Horloge, redesenhado pelos irmãos Campana.

Imperdível é ainda o Museu Rodin onde o Portão do Inferno nos espera nos jardins. Nas quase duzentas pequenas figuras que o adornam, encontramos todas as formas reutilizadas em tudo o que o artista esculpiu depois, revolucionando a escultura, sem falar nas obras da sua atormentada aluna e amante Camille Claudel. E, last but not least - e sem nem falar en passant no Louvre pois seria sacrilégio - chegamos ao maravilhoso Museu Picasso.

Mas não quero falar do museu. Gostaria de falar um pouco mais sobre uma tela. Ela se chama Nu, Folhas Verdes e Busto e não é uma das obras primas de Picasso. Não pode competir com outras muito mais inovadoras e espantosamente inspiradas que moram através do mundo, como As Senhoritas d'Avignon, em Nova York, ou como Guernica, em Madri e - quem sabe? - os Três Dançarinos, em Londres.

Mas entre as mais de quarenta e três mil obras de Picasso esse Nu tem o seu lugar especial. Quer a gente goste ou não goste, para melhor ou pior, a revolucionária linguagem visual da arte moderna - que já tem mais de cem anos - foi muito da lavra do Picasso. Ele tinha uma atitude eclética quanto a estilo. Passeava pelos ismos da vida a qualquer tempo, dava show de bola em todos eles, e apesar de seu trabalho ter sido geralmente caracterizado por uma única abordagem dominante, ele ia e vinha entre diferentes estilos, fazia um quadro cubista seguido por outro surrealista e antecedido por um que era puro classicismo. Às vezes, até mesmo numa só obra de arte, podemos reconhecer dois ou mais estilos.

Para muitos o Nu é feio. Apenas uma deformação de uma figura feminina reclinada e retorcida, sexualmente disponível, de olhos fechados, como se estivesse no mundo da lua ou em um cochilo depois do amor. Nessa tela é muito fácil enxergar, tão somente, a velha ordem das coisas, a mesma dinâmica clássica do homem dono e senhor acima da mulher, da mulher vista como coisa, da amante passiva, da musa submissa. E, com certeza, a temática do quadro, a submissão feminina, não é para todos os gostos.

Mas isso não é toda a história. Por trás dessa tela icônica há uma história de amor. E ainda que as histórias de amor, assim como as cartas de amor, sejam todas ridículas, os pobres dos cérebros humanos gostam delas. Que tal uma história?

Acho que a razão da imensa popularidade deste quadro são os seus significados. Afinal, a semente da genialidade que reside nele pode ser  encontrada nas telas dos antigos e novos mestres meio que copiados por Picasso, nas brincadeiras primordiais das suas fases azul e rosa, nos seus dois períodos cubistas, nos seus trabalhos de sotaque clássico e nas colagens, paragens por onde o cara dilacerou estruturas, fatiou o espaço, e criou novas perspectivas, confundindo a percepção, subvertendo o tempo e reorientando a linguagem pictórica.

Tudo sobre o trabalho desse artista nunca foi fácil de entender. Tanto que ele mesmo dizia que não era papel do pintor explicar o seu simbolismo. Fora assim pintores, em vez de pintar, descreveriam suas obras com pretinhas. Ele acreditava que o público também não deveria ao contemplar uma tela apenas interpretar os seus códigos, mas tentar entendê-los e senti-los.

O encontro de Picasso com o surrealismo - tão presente no Nu - se deu em meados da década de 1920, e ainda que essa influência não tenha transformado o seu trabalho inteiramente, ela incentivou uma nova forma de expressionismo, que permitiu não só as formas suaves e o erotismo da tela que veremos a seguir.

A obra em pauta é o símbolo maior da fase mais rica, mais profícua e mais notável - por seu simbolismo e cores! - da obra de Picasso. Trata-se da mais famosa das telas que o artista pintou de Marie-Thérèse Walter, o grande amor da vida dele.

Marie_Thérèse Walter (imagem 2.bp.blogspot.com)

Eles se conheceram em janeiro de 1927 quando ele tinha quarenta e cinco e ela dezessete anos. Dizem que ele viu a garota loura defronte das Galerias Lafayette e que teria sido amor à primeira vista. Contam que o pintor teria puxado a garota pelo braço e dito pomposamente:

- Eu sou Picasso.

E que ela, perplexa, teria retrucado:

- Quem?

Parece que totalmente encantado por tanta inocência e ignorância, Picasso teria caído numa gostosa gargalhada e respondido:

- Não importa! Você e eu vamos fazer grandes coisas juntos.

Eles fizeram mesmo, começando - uma semana depois! - pela cama. Um dos biógrafos do artista escreveu que, desde então, Marie Thérèse sempre esteve em sua mente, que para ele tudo se relacionava com ela, que mesmo quando ele estava pintando outra mulher, uma paisagem, ou uma natureza morta, a musa por quem foi “absolutamente obcecado” não lhe saía da cabeça.

Marie-Thérèse ofereceu uma tábua de salvação para Picasso, que se sentia oprimido pelo comportamento sufocante e desequilibrado de sua primeira esposa, a bailarina russa Olga Khokhlova. A francesinha matuta e criada no campo, em vez, era bela e de bem com a vida, despreocupada e simples, de natureza doce e à vontade dentro da própria pele, descomplicada e dona de uma sensualidade irresistível.

Além de todos esses predicados, Marie Thérèse permaneceria apaixonada por Picasso a vida inteira, apesar dos seus incontáveis casos com outras mulheres. Ela é descrita como sendo o oposto da neurótica Olga, a quem Picasso frequentemente retratou em pinturas sombrias, como uma megera horrível, com os dentes tortos e os cabelos arrepiados.

O casal de amantes manteve o tórrido caso de amor em segredo por muitos anos, pois Picasso não queria ter que, com o divórcio, dividir com Olga o seu patrimônio. Nos primeiros anos do relacionamento, a imensa paixão física que os unia foi escondida de todos. O artista também evitou mostrar a mulher amada na sua arte o quanto pode, mas a paixão falou mais alto.  

As primeiras referências à Marie Thérèse nas telas surgiram como que em código: ela era transformada em misteriosas iniciais, em uma tigela de frutas suculentas, por exemplo, ou em um vaso de belas flores, e, é claro, em um mil e um objetos fálicos.

Marie-Thérèse rejuvenesceu o artista de meia-idade e rapidamente impregnou de vitalidade o seu trabalho. Ele embarcou então - de corpo e alma! - em uma série de telas suntuosamente eróticas que são o equivalente visual de grandes poemas de amor. Estas pinturas deslumbrantes são caracterizadas por cores brilhantes e alegres e formas roliças, sexy, sugestivas, feitas por pinceladas largas e livres, em espaços pictóricos exuberantes e fluidos e felizes. A jovem foi frequentemente apresentada nua e adormecida, como se descansando após o amor físico.

Tais quadros oferecem um registro altamente íntimo da obsessão de Picasso pelo corpo da amante, cujos seios e sexo foram muitas vezes exibidos francamente, como se representando a urgência do desejo do artista. A carga erótica das pinturas é imensa e por isso mesmo, elas são tão boas, nos transmitem uma tão nítida sensação de vida, de força, do êxtase sexual vivido por um homem de meia-idade que não podia acreditar na sua sorte.

Nestas pinturas, Picasso tentou articular o que ele vivenciou e sentiu ao ser sexualmente intoxicado por Marie Thérèse. Nelas ele se expôs, expressou a energia do seu amor, a tensão da sua paixão, a crueza do seu desejo, escancarando com coragem e honestidade a sua sexualidade.

Na primavera de 1931 ele reinventou a escultura e no inverno seguinte ele revolucionou a nossa percepção sobre alguns dos temas mais básicos da arte ocidental: a mulher adormecida e a mulher sentada. Tudo isto a partir de uma manipulação muito complexa do corpo da amante.

Esta fase atingiu seu apogeu em 1932, quando Picasso pintou este Nu, o mais intenso dentre todos os grandes nus que fez amorosamente da sua musa.

Picasso - Nu com Folhas Verdes e Busto (imagem toperfect.com)

Esta tela é uma composição feita com poucos elementos. Nela se confrontam uma cabeça real, a da mulher de cabelos louros, com uma cabeça esculpida, a do busto num pedestal. Nele também se refletem as dobras e curvas do corpo de Marie-Thérèse, e as formas exuberantes e ondulantes das folhas verdes de uma planta. Há uma insinuação de tons esverdeados aqui e ali no corpo.  

A cena inclui ainda algumas frutas em tons vermelhos e ocre, que se repetem e aquecem e iluminam o topo da cena. Vemos ainda uma cortina - um dossel misterioso, contra o qual a escultura lança uma improvável sombra dupla - para frente e para trás. É como se o corpo nu, em tamanho real e de um tom lilás extraterrestre - a cor preferida por Picasso para representar a carne pálida da amante! - dessa garota que no primeiro plano dorme voluptuosa estivesse - literalmente - iluminando todo o espaço de forma tão potente a ponto de enlouquecer as sombras, duplicando-as e lançando- as para todos os lados.

Se prestarmos atenção, veremos um perfil sombrio - um auto retrato do pintor - que flutua nas dobras do pano azul no fundo, entre a planta e o busto, bem ao centro da tela. Se olharmos com cuidado, veremos o contorno preto do nariz e dos lábios de Picasso, parcialmente escondido pelas sombras no véu azul, numa analogia do segredo de seu desejo ilícito mas incontrolável pela modelo.

No geral, a pintura tem uma aparência distorcida, sonhadora, um aspecto infantil e apaixonado. Os blocos de cores são planos e intensos, jamais cubistas, vinculados por esboços pretos grossos. Os braços da garota não são anatomicamente corretos, mas em vez, se enrolam abaixo da sua cabeça, espelhando os ramos da planta acima dela.

Acima da figura largada de Marie-Thérèse, vemos um busto colocado sobre numa clássica coluna romana. A estátua é controversa. Muitos acreditam que ela seja uma escultura da própria modelo, cuja beleza o pintor teria colocado em um pedestal, demonstrando assim a estima que tinha por ela.

Outros especialistas, entretanto, são de opinião que o busto seria mais uma representação do pintor, mais um afago em seu enorme ego, um elemento de auto congratulação. Neste caso o perfil em linhas pretas seria uma terceira sombra projetada no fundo azul. Se for este o caso, o artista se auto retratou num plano superior ao da mulher deitada por terra, para personificar-se como o seu senhor, como o dono do seu corpo disponível, e para demonstrar ao mundo a sua obsessão, a submissão e posse da amante, sem quaisquer reservas e pudores. Danem-se a mulher ciumenta, o patrimônio, a sociedade parisiense, as convenções: Ela é minha!

O busto foi pintado não com pinceladas suaves de pincel mas com uma espátula e em grossas camadas de tinta sobrepostas, fazendo com que a estátua pareça tridimensional e viril, em contraste com a suavidade do corpo de Marie-Thérèse.

As duas sombras escuras sobre o corpo nu e alvo da garota são um mistério. Alguns especialistas acreditam que elas podem indicar um fetiche, uma fantasia masculina, a apresentação erótica meio que sado da amante amarrada por cordas. Uma versão light de “Ata-me”! Outros enxergam nas faixas um corpo, em uma paródia do amor físico. Muitos acreditam que a faixa em torno da garganta da garota pode ser uma referência a uma imagem célebre de autoria de Matisse, oferecida como um presente a Picasso, que mostrava uma jovem usando uma gargantilha preta. Eu acho que a Luma de Oliveira sabia das coisas...

No canto inferior esquerdo do Nu, perto do cotovelo da mulher, Picasso pintou um prato de maçãs, o fruto proibido, o símbolo, desde os tempos bíblicos, da tentação sexual. Já as grandes folhas verdes retratam um filodendro, uma planta d'água rasteira, cujo nome significa “árvore de amor”. Picasso foi buscar, ao usar tais folhas, inspiração na mitologia clássica.

Ele já tinha usado as folhas do filodendro na maior de suas esculturas - A Mulher No Jardim - que representa Marie-Thérèse como a ninfa Daphne sendo metamorfoseada em um arbusto. Ou seja, as folhas brotando entre o corpo nu de Marie-Thérèse e o busto do pintor, tal qual tentáculos barrocos, os identificariam também como Apolo e Daphne. Numa outra pintura da sua musa, feita dias após o Nu, Picasso mais uma vez faz uma referência ao mito de Daphne transformando o braço da figura em um lírio.

O artista admirava esta planta por sua vitalidade e resistência. Dizem que certa vez, ele deixou um filodendro na banheira cheia d'água do seu apartamento em Paris, pois acreditava que, assim fazendo a planta teria água suficiente para sobreviver enquanto ele estivesse ausente, no sul da França. No seu retorno, Picasso descobriu que o filodendro havia florescido luxuriante para além do WC, tomado completamente a pequena sala e, como se não bastasse, tapado completamente o escoamento da água pelos canos, por onde haviam descido suas raízes. As folhas do filodrendo significavam para o pintor a potência sexual, a força do desejo carnal que começara a tomar conta da sua arte da mesma forma que a sua fome por Marie Thérèse tomara já conta da sua vida.

Outros símbolos de potência usado com muita frequência por Picasso em suas obras, foram o touro e o minotauro. O artista pintou a mulher amada em muitas outras telas como O Sonho, A Garota no Espelho, A Menina com Uma Flor, Retrato, Mulher (eles já estavam separados), Retrato de Marie Thérèse, Marie Thérèse e Desenho.

Não se pode encontrar em nenhum outro trabalho ou fase do pintor essas cores alegres, essa ternura ao deformar os planos do rosto de uma modelo, essa poesia e o brilho das flores adornando o colo, as mãos ou cabelos como que os de uma noiva. A gente sente que os anos que Picasso passou ao lado dessa garota foram felizes.

Marie-Therese engravidou em 1935. Mas meses após ela ter dado à luz uma menina chamada Maya, o artista encontrou uma nova amante, de nome Dora Maar. Marie-Thérèse teria enlouquecido de ciúme e - dizem! - tendo encontrado Dora inesperadamente no estúdio de Picasso, com ela entrou em uma luta física, da qual ambas saíram muito machucadas. Picasso, posteriormente, nas suas memórias, classificou o episódio como sendo uma das suas recordações mais divertidas e queridas. Isso é o que chamo de senso de humor.

O certo é que Marie Thérese o idolatrava e que, enquanto dezenas de mulheres passavam pela cama do artista sem deixar saudades, enquanto ele tinha mais dois filhos com Françoise Gilot - Paloma e Claude - e durante os quase 20 anos nos quais esteve casado com Jacqueline Roque, ela se manteve fiel e próxima do seu coração, embora tenha desaparecido da paleta dele e da cena principal.  

O amor dos dois perdurou entre tapas e beijos e idas e vindas por meio século. Quatro anos após a morte de Picasso em 1973 com a idade de noventa e um, e exatos cinquenta anos após aquele primeiro e apaixonado encontro, Marie-Therese, aos sessenta e sete anos em 1977, tirou a própria vida. Para uma musa, não há vida sem o seu artista.

Uma escultura abstrata de Marie-Thérèse, segurando uma lanterna, foi colocada - a pedido do próprio artista - no túmulo de Picasso. Conforme declarações de amigos e da neta de Picasso e de Marie Thérèse - ele considerava -a como sua verdadeira esposa. A única, entre todas as mulheres da sua vida, que lhe dera amor e compreensão irrestritos. A única que fora capaz de entender que para poder pintar, para poder criar, para poder se reinventar, Picasso precisava estar delirantemente apaixonado: "Quando amo uma mulher ela me dilacera e à minha obra, renovando-nos"

P.S. – Vejam “Remake”, uma cópia do Nu, Folhas Verdes e Busto, sendo pintada: