Depois dos Portões

  

Moacir Pimentel 

No seu leito de morte, em 1917 , mais uma vez Auguste Rodin esculpiu um paralelo entre a mão do Criador amassando o barro primordial e a sua própria mão criando um torso feminino. Essa mão, que inventara tantas maravilhas, foi a última escultura do artista.

“Os verdadeiros artistas são os mais religiosos dos mortais”,  disse Rodin.

Com certeza, quem visita o Museu Rodin, conhece a obra do artista, lê suas biografias, identifica em Auguste Rodin um sotaque religioso, quase como se esculpir fosse para ele uma religião na qual, tal como uma criança, ele buscava um substituto para a fé católica da sua infância, elaborando uma espécie de misticismo da arte, no qual o primeiro mandamento para os devotos era:

Modelar perfeitamente braços, torsos e coxas!

Brincadeiras à parte, Rodin contribuiu para sua própria santificação doando a sua obra para o Museu que leva seu nome. Ainda vivo ele testemunhou a abertura do Museu Rodin, em 1916, no Hôtel de Biron, que antes lhe servira de estúdio.

Nos revelam seus biógrafos que, certa vez, como que mediunizado em um ritual sagrado, Rodin substituiu a palavra Deus pela palavra Escultura, no Livro III da Imitação do Cristo de Tomás de Kempis, no capítulo de nome Da Consolação Interior:

“Ouvirei o que em mim disser a Escultura.

Bem-aventurada a alma que ouve em si a voz da Escultura e recebe de seus lábios palavras de consolação!

Benditos os ouvidos que percebem o sopro e o sussurro da Escultura e não dão atenção às sugestões e às atribulações do mundo!”

Muito poucos sabem que, na mais parisiense das cidades da América Latina, mais precisamente no Museu de Belas Artes de Buenos Aires, a adoração de Rodin encontra eco, pois ali mora uma das maiores coleções de esculturas de Auguste Rodin do vasto mundo.

Entre tais maravilhas e quase desconhecida dos próprios portenhos, está uma belezura que me encantou há décadas: A Terra e A Lua.

A escultura é um bom exemplo de como a tal multiplicação dos corpos dos Portões de Inferno de Rodin funcionava.

Quem olha atentamente para a escultura consegue perceber no bloco de mármore a nossa espécie esculpida: em movimento, em conflito, se aproximando, se conectando, se repelindo, se amando, se odiando, mas sempre buscando alguma coisa que falta...

O quê ? Deus?

Dizem que o modelo da figura feminina foi Gwen John. Não é verdade. Apaixonada por Rodin e também artista plástica, ela recebeu dele , durante toda a sua vida, conforto emocional, intelectual e algum apoio financeiro. Gwen escreveu mais de mil cartas para Rodin chamando-o de "Mestre". Ele respondia descrevendo-a como uma "bela artista"

É claro que eles foram mais do que mestre e aluna e que tornaram-se amantes antes do fim da relação com Camille. Porém a Lua nesta escultura é a Eva – aquela que conhecemos desde os Portões – que também foi repetida no corpo feminino que se vê noutra escultura de nome Paulo e Francesca nas Nuvens. A mesma que ainda nas Nuvens e fragmentada em rostos e mãos foi de novo batizada de A Última Estrela da Manhã.

Ou seja, a Lua esculpida nos primeiros anos do século XX e anos depois de findo o romance de Rodin com Camille Claudel ainda é Camille!

Tem mais. Na realidade, A Terra e a Lua da foto não é a que mora em Buenos Aires. Como assim? Existem três esculturas, três versões do mesmo tema. A primeira está no National Museum of Wales, em Cardiff. A segunda pertence ao Museu Rodin em Paris e é a que ilustra o post. A terceira é a argentina.

Há diferenças entre as três esculturas. A que mora em Buenos Aires é a maior delas e, num espaço mais largo e alto, o criador pôde fazer da parte superior da composição uma espiral , um casulo dentro do qual as figuras aparecem.

A escultura foi reduzida à sua essência e parece um fragmento antigo desgastado pelo tempo, livre de quaisquer elementos surpérfluos.

Para entender A Terra e a Lua é preciso repetir, mais uma vez, que a maior parte das obras de Rodin foi criada inicialmente nos Portões do Inferno e que tais figuras, mais tarde, foram executadas como esculturas distintas, nas quais ele se reinventava a si mesmo.

Digamos que, com aqueles Portões, Rodin brincava de Jack, o Estripador: ia por partes! Isso permitiu-lhe trabalhar mais fertilmente, mais rapidamente, uma vez que ele pulava as etapas criação e modelagem, aproveitando as inúmeras figuras que já havia inventado anteriormente.

Pode-se ver quais foram os elementos que saíram dos Portões do Inferno para compor A Terra e a Lua. A figura feminina enrolada lá no topo não é outra senão Andromeda, figura que já inspirara antes a primeira versão da Danaide, uma das coisas mais lindas que Rodin assinou. No mármore definitivo da Terra e da Lua está o cabelo suntuoso da Danaide que flui no lado direito da composição entalhado em belas ondas misturadas com as nuvens do céu.

No novo conjunto também foi usada a pretérita cabeça da Mártir e Rodin colocou a sua antiga Fadiga de lado, em pé e de perfil, de modo que o corpo formasse um arco tenso, quando antes estava deitado numa posição horizontal.

Embora as figuras não tenham sido originais, isto não compromete ou limita o grau de liberdade da mão de Rodin no momento em que a nova obra prima foi esculpida: os dois corpos fluidos, as duas figuras sinuosas estão completamente fora do centro e parecem emergir do enorme bloco de mármore. O artista deixou o mármore parcialmente em seu estado bruto: vestígios do ataque do cinzel foram intencionalmente mantidos na sua parte inferior, enquanto a parte superior foi esculpida com grande delicadeza para evocar a cabeleira da figura feminina.

montagem Maria João Pimentel

Depois de tudo isso, a única coisa que restava era encontrar um título, que foi sugerido por um escritor amigo de Rodin. A pequena dimensão das figuras em relação ao bloco talvez tenha inspirado quem a batizou a visualizar o universo e nele nosso planeta e seu satélite. Ou - quem sabe? - a emancipação do espírito da matéria bruta. O título sugere um contraste entre o mundano e o etéreo.

Entenda, Rodin nunca cedeu ao desejo e/ou a pressões para representar um tema em particular, mas sim, procurou reunir formas que pareciam adequadas para complementar umas às outras, para experimentar. O significado que essas novas composições assumiriam à luz do simbolismo não lhe interessa minimamente. Mais tarde alguém trataria do batismo das suas novidades para ele.

O artista não hesitou em levar a cabo versões adicionais da Terra e da Lua, mais uma vez modificadas, em mámore e em bronze, dessa feita sob o título de Eternas Primaveras - nove esculturas ao todo! - das quais a oitava também nos alegra a vida, vez por outra, em Buenos Aires.

Rodin fragmentou o Inferno. Reinventou-o mais de uma centena de vezes, emendando seus pedaços. Recriou em cima do que já estava feito e bem feito. Revolucionou , copiando a si mesmo, mas aprimorando a cada golpe de cinzel o tratamento de escultura dinâmica.

Fragmentou ainda a forma humana nas suas posturas soltas e naturais,com suas superfícies irregulares, com a inquietante tensão trabalhada nos músculos ,nos nervos das suas figuras, que por sua vez o levaram a uma muito especial interação entre as áreas de luz e sombra.

E Rodin fez tudo isso enquanto teve Camille Claudel ao seu lado. Ela ajudou-o a criar uma nova linguagem escultórica - essencialmente realista e física, mas altamente carregada de emoções – transmitindo a sensualidade humana mais diretamente do que nunca. Os maiores trabalhos de Rodin, aqueles que contêm as qualidades que descrevo acima, foram realizados durante o produtivo e longo caso de amor e parceria artística com Camille Claudel.

Veja, no sentido horário, a maravilhosa Danaide – cujo modelo foi Camille – uma das muitas Eternas Primaveras, o Torso de Adele e o Eterno Ídolo esculpidas nesse fértil período. Tais esculturas são pura paixão expressa por jovens corpos masculinos e femininos nus e vivos, cujos braços e pernas parecem dançar nas alturas do êxtase e sem as profundezas do sofrimento.

Existe no Museu Rodin, um salão dedicado aos trabalhos de Camille, que nos enche os olhos e a alma funda. Que talento o desta mulher atormentada! Porém descobrir Camille nos trabalhos de Rodin é mais fascinante ainda. Enquanto estiveram juntos no estúdio dele, eles foram seus próprios modelos. Camille o amava, o desejava, posava para o amante, esculpia-lhe as extremidades das obras e gravitava na órbita do artista, enquanto ele produzia suas visões de pedra em série, idealizando a paixão e o sentimento que os moviam.

Mas do amor de Camille e Rodin duas obras dão melhor testemunho. Em Amor Fugitivo um casal transforma um bloco de pedra em cama de paixão, gritando-nos a evanescência do amor. A mulher está nua e deitada de bruços com as costas arqueadas, num esforço supremo, que é expresso pelos lábios firmemente cerrados, as pernas estendidas e tensionadas e as mãos levadas à cabeça e mergulhadas nos cabelos. Para que tanto esforço? Ela literalmente luta para fugir através dos dedos do amante que tenta retê-la segurando-lhe uma mama.

Ele tenta segurá-la de qualquer maneira, convencê-la com carícias, fazê-la permanecer, mas é inútil. Ela está exausta do peso dele e dos grilhões. Deseja se arrancar do abraço desse homem despido, deitado sob as costas dela, ombro a ombro, bunda com bunda. Que também parece querer arrancar sua carne da dela, mas é traído por aqueles seios que enlouquecem-lhe os dedos.

O que se adivinha é que jamais o pobre coitado se libertará do seu destino: aquele peito escultural. E como eles se odeiam, esses dois seres, quase tanto quanto se amam. Porque sim eles se amaram e isto está desenhado nesses músculos e nervos exaustos, nos corpos exauridos pelo próprio fogo.

Eles não estariam assim tão absorvidos em tão grande batalha, se antes não tivessem morrido entre selvagens carícias, a “pequena morte” da qual nos falou Galleano...

“Pequena morte, chamam na França a culminação do abraço, que ao quebrar-nos faz por juntarmo-nos, e perdendo-nos faz por nos encontrar e acabando conosco nos principia. Pequena morte, dizem; mas grande, muito grande haverá de ser, se ao nos matar nos nasce”.

E agora que não se olham mais, que suas bocas se evitam, que suas almas se amaldiçoam, a sensualidade ainda ata os dois protagonistas dessa escultura com cordas invisíveis. Essa é uma descrição literal da relação de amor e ódio vivenciada por Camille Claudel e Auguste Rodin.

montagem Maria João Pimentel

Quem são essas figuras? Bem lá atrás, na Divina Comédia, Dante encontrou Paolo Malatesta e Francesca da Rimini, no Quinto Círculo do seu Inferno, as almas penadas dos trágicos amantes acusados do pecado da luxúria, assassinados e depois eternizados, como símbolo maior da iconografia do século XIX, numa ilustração de Gustave Doré, feita em 1861 e por muitas outras paletas.

No poema de Dante Francesca narra assim o seu triste romance:

“Líamos um dia a sós, sobre o amor que seduziu Lancelote. Várias vezes essa leitura nos ergueu olhar a olhar. Mas foi quando chegamos àquele ponto que falava do sorriso que desejava ser beijado por um perfeito amante, que este aqui que nunca me seja apartado, tremendo, beijou-me na boca naquele instante”

Paolo e Francesca também foram imortalizados - embora quase ninguém saiba disso - noutra escultura de Rodin feita sob o feitiço de Camille – a famosa O Beijo aí em cima na montagem - mas nela os infelizes enamorados mortos pelo marido dela que, por acaso, era irmão dele, desaparecem dando lugar a um homem e a uma mulher em extase amoroso. Rodin e Camille , é claro.

Esse beijo que a gente mal enxerga - pois na escultura os lábios mal se tocam - está por toda a obra. Ele mora nas expressões dos rostos, na tensão dos corpos das cabeça aos pés, em cada fibra das costas arqueadas das figuras, nas pernas se entrelaçando, nos pés da garota mal tocando o chão ao se erguer com todo o seu ser para ele, em ardoroso voo.

O Beijo está em cada diminuta parte destes dois corpos amorosos. E é isso que fascina o observador das obras desta fase da arte de Rodin: o desejo comunicado pelo mármore. Nessa estátua apenas um pequeno detalhe alude aos personagens dantescos: o homem tem na mão esquerda o livro de Lancelote, aquele que a Francesca confessou a Dante que...

“Nós não mais lemos naquele dia”.

Em vez das duas sombras voando juntas e abandonando-se ao vento, no lugar dos atormentados corpos flutuantes agarrando-se um ao outro desesperadamente para não serem separados no inferno, os amantes de Rodin nesse beijo, sob a administração da Camille, são uma das mais fortes imagens do amor físico da humanidade. Na obra o sofrimento desaparece em favor da sensualidade.  

Sem dúvida, Rodin criou algumas das imagens escultóricas mais eróticas e mais ousadas já conhecidas - imagens como a Íris - Mensageira dos Deuses, Eu Sou Linda, Mulher Agachada, Ascendência, Mulher Amaldiçoada e tantas outras retratando Camille até o último dos retratos que fez dela, que chamou de Adeus, um assamblado do rosto da amante e de mãos masculinas alienígenas, na minha interpretação as dele, finalizando o romance. Colocando a cabeça e as mãos sobre um bloco de gesso, Rodin lançou luz e sombra sobre o rosto que anunciava investigações do século XX de escultores como Giacometti. Veja..

A mesma erotização, se bem que muito mais suave, também aconteceu na arte de Camille, mas essa conversa também fica para depois...